LAV Residents Archive

[ENG]

Mark Shorter is an installation and performance artist based in Melbourne, Australia. His performances work with sculptural objects, which function as “resistance props” pushing the artist’s body to a point of aesthetic discovery. These scenarios are designed to question dominant narratives around masculinity and the body stretching and turning the ideologies that sit deep in their form to see what bends or breaks. Recent exhibitions and performances include Circumbinary orbits: An Unsteady Compass, Contemporary Art Tasmania (2020), Song for von Guérard, Carriageworks as part of The National (2019), Hello Stranger, Campbelltown Art Centre (2018), The Lonesome Receiver Gertrude Glasshouse (2018), 6m of Plinth, Artspace, Sydney (2016); Mapping La Mancha, Physics Room, Christchurch, New Zealand (2015); 50 Ways to Kill Renny Kodgers, Museum of Old and New Art, Hobart (2014); The Groker, Plato’s Cave, EIDEA House, New York (2015); and Acts of Exposure, Tasmanian Museum and Art Gallery, Hobart (2013). From 2010 to 2012 Shorter was the host of The Renny Kodgers Quiz Hour on Sydney radio station FBi 94.5FM.

While in residence Mark will conduct research toward a series of live and documented performance actions that respond to the Tabernas Desert and its history as a site for the Italian Western. The research will consider the displacement of the landscape and the masculine figure within this cinematic genre. The proposed actions will work with duration, endurance and failure to subvert the presentation of masculinity within these films relocating their terrain and masculine mythologies into a contemporary conversation. Over the course of his one month stay in Grenada he will conduct workshops that open up a discussion around the history of the Tabernas Desert as a film location. He will also visit these sites to conduct performance tests, which will form the basis of an exhibition at LAV.

[ESP]

Mark Shorter es un artista de instalación y performance con sede en Melbourne, Australia. Sus performances trabajan con objetos escultóricos, que funcionan como “accesorios de resistencia” que empujan el cuerpo del artista hacia un punto de descubrimiento estético. Estos escenarios están diseñados para cuestionar las narrativas dominantes en torno a la masculinidad y el cuerpo estirando y girando las ideologías que se asientan profundamente en su forma para ver qué se dobla o se rompe. Exposiciones y actuaciones recientes incluyen Circumbinary orbits: An Unsteady Compass, Contemporary Art Tasmania (2020), Song for von Guérard, Carriageworks as part of The National (2019), Hello Stranger, Campbelltown Art Center (2018), The Lonesome Receiver Gertrude Glasshouse ( 2018), 6m de Plinth, Artspace, Sídney (2016); Mapping La Mancha, Physics Room, Christchurch, Nueva Zelanda (2015); 50 maneras de matar a Renny Kodgers, Museo de Arte Antiguo y Nuevo, Hobart (2014); The Groker, Platón’s Cave, EIDEA House, Nueva York (2015); y Acts of Exposure, Museo y Galería de Arte de Tasmania, Hobart (2013). De 2010 a 2012, Shorter fue el presentador de The Renny Kodgers Quiz Hour en la estación de radio de Sydney FBi 94.5FM.

Durante su residencia, Mark llevará a cabo una investigación para una serie de acciones performáticas en vivo y documentadas que respondan al desierto de Tabernas y su historia como lugar del western italiano. La investigación considerará el desplazamiento del paisaje y la figura masculina dentro de este género cinematográfico. Las acciones propuestas trabajarán con la duración, la resistencia y el fracaso para subvertir la presentación de la masculinidad dentro de estas películas reubicando su terreno y mitologías masculinas en una conversación contemporánea. Durante su estancia de un mes en Granada impartirá talleres que abrirán un debate sobre la historia del Desierto de Tabernas como lugar de rodaje. También visitará estos sitios para realizar pruebas de rendimiento, que formarán la base de una exposición en LAV.

[ENG]

«I graduated from the Faculty of Painting at the Academy of Fine Arts in Cracow. I mostly paint and create objects which are a link between mysterious baroque style and contemporary kitch. The same qualites are in my objects which are extension to painting. I connect most extreme emotions in my works to get as close to the terror and splendour of the baroque style.

I express myself through painting. This particular medium allowed me to touch on a story that artists have shared over the centuries. In the paintings I want to present the rich Christian symbolism and iconography, as well as mythology and religion. 

I am looking for contradictions and extreme emotions, hence my great inspiration from the darkness and splendor of the Baroque. I try to combine universal themes in the context of modern man. I focus on the human figure suspended between pain and pleasure. I tell stories using symbols that have been copied many times in the history of art, and now appear in popular culture, assuming more and more ambiguous forms.

I am looking for inspiration from the world of art and its bizarre nooks and crannies. I look in bestiaries in search of mysterious creatures and I’m associating them with saints and holy archetypes. On the basis of this symbolic tissue, I will create a new story.»

[ESP]

«Me gradué en la Facultad de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Principalmente pinto y creo objetos que son un vínculo entre el misterioso estilo barroco y la cocina contemporánea. Las mismas cualidades están en mis objetos que son una extensión de la pintura. Conecto emociones más extremas en mis obras para acercarme lo más posible al terror y esplendor del estilo barroco.

Me expreso a través de la pintura. Este medio en particular me permitió tocar una historia que los artistas han compartido a lo largo de los siglos. En las pinturas quiero presentar la rica simbología e iconografía cristiana, así como la mitología y la religión.

Busco contradicciones y emociones extremas, de ahí mi gran inspiración en la oscuridad y el esplendor del Barroco. Trato de combinar temas universales en el contexto del hombre moderno. Me concentro en la figura humana suspendida entre el dolor y el placer. Cuento historias usando símbolos que han sido copiados muchas veces en la historia del arte y ahora aparecen en la cultura popular, asumiendo formas cada vez más ambiguas.

Busco inspiración en el mundo del arte y sus extraños rincones y grietas. Miro en los bestiarios en busca de criaturas misteriosas y las asocio con santos y arquetipos sagrados. Sobre la base de este tejido simbólico, crearé una nueva historia».

[ENG]

Anne-Julie Hynes is a multidisciplinary artist from Montreal, Canada. She works with different mediums such as painting, photography, collage and sculpture. Her talent has allowed her to be chosen for various research and creation art residencies around the world. She now considers herself a nomadic artist. Since graduating from Concordia University’s Fine Arts program, Anne-Julie Hynes’ artwork has been shown in Canada, as well as in China, Poland, Denmark, Germany, Austria, Hungary and Tahiti. Her work has been featured in several publications, such as Vie des Arts and Plaisirs de Vivre. Many of her creations are part of private and public collections, including Le Meridien in Tahiti, Town of Ste-Therese and Energir in Montreal, Canada.

[ESP]

Anne-Julie Hynes es una artista multidisciplinar de Montreal, Canadá. Trabaja con diferentes medios como la pintura, la fotografía, el collage y la escultura. Su talento le ha permitido ser elegida para diversas residencias de investigación y creación de arte alrededor del mundo. Ahora se considera una artista nómada. Desde que se graduó del programa de Bellas Artes de la Universidad de Concordia, las obras de arte de Anne-Julie Hynes se han exhibido en Canadá, así como en China, Polonia, Dinamarca, Alemania, Austria, Hungría y Tahití. Su trabajo ha aparecido en varias publicaciones, como Vie des Arts y Plaisirs de Vivre. Muchas de sus creaciones forman parte de colecciones públicas y privadas, incluidas Le Meridien en Tahití, Town of Ste-Therese y Energir en Montreal, Canadá.

[ENG]

Paula Catalina Ruiz was born in Bogotá, Colombia, when she just turned 6 she moved to Mexico, so she was fortunate to grow up between two cultures that nurtured her knowledge. From a young age, artistic expressions such as singing, dancing, painting and spontaneous drawing were the way in which she was able to connect both with her interior and with the exterior.

In Mexico, there she carried out her academic training, including her studies in the Bachelor of Visual Arts for Photographic Expression at the University of Guadalajara (UdeG). During her first year of university she fell in love with the analog processes, being in contact with the whole procedure: taking the pictures, developing the roll, entering the laboratory and printing the image. That’s when she Paula confirmed that art is a powerful tool to express, communicate and perhaps make our reality more enjoyable.

Most of her creative ideas come spontaneously, she often likes to describe herself as “an impressionist photographer” as she is passionate about capturing photographs that come naturally in an instant that she would never repeat herself in the same way.

Each person has a very unique point of view with which they see and live the world, we can be in the same place at the same time and notice completely different things.

Photography has the ability to portray moments that are never repeated, which is why it is the perfect tool for carrying out this project. Specifically, analog photography will make it something more spontaneous and natural, so it cannot be reviewed, or deleting the photograph that has just been portrayed will make the process as honest and real as possible.

Therefore, this project will consist of bringing together 4 people, including myself, to leave at the same time on the same tour through the streets of Granada, each one will carry an analog camera and they will have the freedom to photograph what catches their attention during the tour. Subsequently, the rolls will be revealed and 4 collages will be made that will show the point of view of each participant, so each one of the collages seeks to extract the particular vision to recognize the value of the different perspectives that each person has of the city, a space urban full of diversity, details and highlights.

[ESP]

Paula Catalina Ruiz nació en Bogotá, Colombia, a los 6 años recién cumplidos se mudó a México por lo que tuvo la fortuna de crecer entre dos culturas que nutrieron su conocimiento. Desde una corta edad las expresiones artísticas como el canto, el baile, la pintura y el dibujo espontáneo, fueron la manera en la que pudo conectar tanto con su interior como con el exterior.

En México ahí realizó su formación académica incluyendo sus estudios en la Licenciatura en Artes Visuales para la Expresión Fotográfica en la Universidad de Guadalajara (UdeG). Durante su primer año universitario se enamoró de los procesos análogos, estar en contacto con todo el procedimiento: tomar las fotografías, revelar el rollo, entrar al laboratorio e imprimir la imagen. Allí fue cuando Paula confirmó que el arte es una herramienta poderosa para expresar, comunicar y quizá hacer más amena nuestra realidad.

La mayoría de sus ideas creativas surgen espontáneamente, a menudo le gusta describirse como “una fotógrafa impresionista” ya que le apasiona capturar las fotografías que nacen naturalmente en un instante que jamás se volvería a repetir de la misma forma.

Cada persona tiene un punto de vista muy único con el que ve y vive el mundo, podemos estar en un mismo lugar a una misma hora y notar cosas completamente distintas.

La fotografía tiene la capacidad de retratar momentos que jamás se vuelven a repetir por eso es la herramienta perfecta para la realización de este proyecto. Concretamente la fotografía análoga hará que sea algo más espontáneo y natural por lo que no se puede revisar, ni borrar la fotografía que se acaba de retratar hará que el proceso sea lo más honesto y real posible.

Por lo anterior este proyecto consistirá en reunir a 4 personas incluyéndome para salir a la misma hora en un mismo recorrido por las calles de Granada, cada uno portará una cámara análoga y tendrán la libertad de retratar lo que les llame la atención durante el recorrido. Posteriormente se revelarán los rollos y se realizarán 4 collages que mostrarán el punto de vista de cada participante por lo que cada uno de los collages busca extraer la visión particular para reconocer el valor de las diferentes perspectivas que cada persona tiene de la ciudad, un espacio urbano lleno de diversidad, detalles y aspectos destacados.

[ENG]

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[ENG]

She is a writer, dancer, art educator and philosopher. She received my Ph.D. in philosophy at the University of Helsinki in 2013, and she’s the author of the acclaimed book Gender and Sexuality in Stoic Philosophy (Palgrave Macmillan, New York, 2018) as well as multiple anthology articles on philosophy, gender and dance. She has worked as a professional dancer and arts educator in Finland and New York City since 2012. For example,as a Teaching Artist at the Center for Arts Education in New York City 2016-17, and as Arts Education Manager at Bronx Music Heritage Center in 2017. As a dancer, she has performed on small and big stages in Finland and the USA.

In her work, I intertwine philosophy with art, and she is most inspired to work with interdisciplinary projects with a social impact. For example, she conducted workshops combining dance, poetry and philosophy at Rikers Island female prison in New York City, through the Rethink Community Outreach Program at Columbia University (2016-17). As an arts educator, she has worked extensively with at-risk children and youth, e.g. designing and conducting programs where immigrant children learnt English language through arts (CAE & New York City Department of Education, 2016-17). In Finland, she has collaborated intensively with several museums and cultural institutions such as Helinä Rautavaara Museum, Theater Museum and Cultural House Kääntöpaikka. In these institutions, her work has centered on multicultural arts education, bringing together dance traditions particularly from the African diaspora and jazz heritage. Her work with children builds on theoretical foundations laid down by problem-based learning, phenomenon-based learning and interdisciplinarity, which means e.g. combining movement with exercises in creative writing or visual arts.

[ESP]

Es escritora, bailarina, educadora de arte y filósofa. Recibió su doctorado en filosofía en la Universidad de Helsinki en 2013, y es autora del aclamado libro Gender and Sexuality in Stoic Philosophy (Palgrave Macmillan, Nueva York, 2018), así como de varios artículos de antología sobre filosofía, género y danza. Ha trabajado como bailarina profesional y educadora artística en Finlandia y la ciudad de Nueva York desde 2012. Por ejemplo, como artista docente en el Center for Arts Education en la ciudad de Nueva York 2016-17, y como gerente de educación artística en Bronx Music Heritage Center en 2017. Como bailarina, ha actuado en pequeños y grandes escenarios en Finlandia y Estados Unidos.

En su trabajo entrelaza la filosofía con el arte, generando proyectos interdisciplinarios con impacto social. Por ejemplo, realizó talleres que combinan danza, poesía y filosofía en la prisión de mujeres de Rikers Island en la ciudad de Nueva York, a través del Programa Rethink Community Outreach en la Universidad de Columbia (2016-17). Como educadora artística, ha trabajado extensamente con niños y jóvenes en riesgo, p. Ej. diseñar y llevar a cabo programas donde los niños inmigrantes aprendieron el idioma inglés a través del arte (CAE y Departamento de Educación de la Ciudad de Nueva York, 2016-17). En Finlandia, ha colaborado intensamente con varios museos e instituciones culturales como el Museo Helinä Rautavaara, el Museo del Teatro y la Casa Cultural Kääntöpaikka. En estas instituciones, su trabajo se ha centrado en la educación artística multicultural, reuniendo tradiciones de danza, particularmente de la diáspora africana y la herencia del jazz. Su trabajo con niños se basa en fundamentos teóricos establecidos por el aprendizaje basado en problemas, el aprendizaje basado en fenómenos y la interdisciplinariedad, lo que significa, por ejemplo, Combinando movimiento con ejercicios de escritura creativa o artes visuales.

[ESP]

Stephanie Del Carpio Torres es una artista peruanoamericana que vive y trabaja en Berlín, Alemania. Su enfoque en el retrato proviene de su amor por la historia y su interés por llevar un diario. Ella ve su trabajo como una serie de anotaciones en el diario que conmemoran, para ella, momentos importantes de su vida. El autorretrato es un proceso a través del cual examina capas de su personalidad, cuestionando las identidades que se proyectaron en ella como inmigrante que crecía en Estados Unidos. ¿Cómo se reconcilian las diferentes culturas en la crianza y luego en la búsqueda de la identidad?

En su trabajo, Stephanie analiza los modos de representación eurocéntricos para reinsertar su perspectiva única en un canon que históricamente ha sido exclusivo de las voces de inmigrantes. Su trabajo explora temas del hogar, su reciente reubicación en Europa, las conexiones dentro de la familia y las formas sutiles en las que su educación y experiencias culturales han dado forma a su identidad.

Durante su tiempo en LAV Artist Residence, estudiará la rica historia visual de Andalucia. Como lugar de convergencia de muchas culturas y religiones a lo largo de los siglos, Granada será el escenario para una exploración de las muchas formas en que se puede acceder y experimentar su vocabulario visual. A través del autorretrato examinará la historia, así como los patrones vibrantes, colores y elementos decorativos de la arquitectura mudéjar y los espacios interiores para descubrir nuevos y personales puntos de entrada.

[ENG]

Alexandra Wilson is a New York City-based multi-media artist working in sculpture, fiber, and film. Driven by her experience as a seamstress and costume designer, her work concentrates on the process of fabrication. She combines new-media tools and technologies with traditional image-making in order to shift perspective and dimensional understandings of common objects. She explores the friction among domesticity, labor, and tourism through the lens of the trivial and works to disturb and disorient any familiar context.

The dialogue between the original, everyday object and its abstraction prompts insights of scale and function. In one instance, a laundry basket morphs into a modernist highrise. The cityscape has proven a fertile source of artistic inspiration for my work and comes naturally to me as a native New Yorker. I would bring the same sense of discovery and exploration to Granada and its objects.

“My experience with making ceramic vessels has highlighted the important role of water as an transformative material.  Water is added to soften the clay when forming on the wheel and then removed when firing.  Even a dry clay vessel can be rehydrated back to its component parts- clay and water.  Throughout visual history the liquid container endures and has materially evolved from clay to modern day materials (plastic, glass, silicon, and metal).  During my residency, I want to explore the vessel as it is portrayed throughout art.  With this collection of pieces, I aim to distill our enduring need to collect, contain, and control water.  In conjunction with this consideration of water (in its liquid state), I am intrigued with water in its solid state (ice) as a substance that can take the form of a vessel but also can transform back to its formless state.  I foresee these inquiries to manifest as drawings and/ or a sculptural representation.“

[ESP]

Alexandra Wilson es una artista multimedia con sede en la ciudad de Nueva York que trabaja en escultura, fibra y cine. Impulsada por su experiencia como costurera y diseñadora de vestuario, su trabajo se concentra en el proceso de fabricación. Combina herramientas y tecnologías de los nuevos medios con la creación de imágenes tradicionales para cambiar la perspectiva y la comprensión dimensional de los objetos comunes. Explora la fricción entre la domesticidad, el trabajo y el turismo a través de la lente de lo trivial y trabaja para perturbar y desorientar cualquier contexto familiar.

El diálogo entre el objeto cotidiano original y su abstracción invita a comprender la escala y la función. En un caso, un cesto de ropa se transforma en un rascacielos modernista. El paisaje urbano ha demostrado ser una fuente fértil de inspiración artística para mi trabajo y me resulta natural como neoyorquina nativa. Granada y sus objetos aportarían el mismo sentido de descubrimiento y exploración.

«Mi experiencia con la fabricación de vasijas de cerámica ha resaltado el importante papel del agua como material transformador. Se agrega agua para ablandar la arcilla cuando se forma en la rueda y luego se retira cuando se cuece. Incluso una vasija de arcilla seca se puede rehidratar de nuevo a sus componentes: arcilla y agua. A lo largo de la historia visual, el contenedor de líquidos perdura y ha evolucionado materialmente desde la arcilla hasta los materiales modernos (plástico, vidrio, silicona y metal). Durante mi residencia, quiero explorar la vasija tal como se representa en el arte. Con esta colección de piezas, pretendo destilar nuestra necesidad perdurable de recolectar, contener y controlar el agua. Junto con esta consideración del agua (en su estado líquido), me intriga el agua en su estado sólido (hielo) como una sustancia que puede tomar la forma de un recipiente pero también puede transformarse de nuevo a su estado sin forma. Preveo que estas indagaciones se manifiesten como dibujos y/o una representación escultórica.»

[ENG]

Juanito Ariza is a Colombian multi-media artist based in Toronto. His work aims to create abstract audio-visual experiences collaging sound, film photography, and animation. Building experimental moments that challenge the aesthetics of music, cultivating mindfulness, and vulnerability.

Juan draws inspiration from his bi-cultural identity, and developmental experiences. Focused on sharing the cultural cross-pollination of his immigration from Colombia to Canada employing analog gear, and new media formats. He is interested in exploring the tensions, and bridges between the old, and the new and its inherent connections.

During his time at the LAV artist Residency, Juan will investigate the sonic potential of the Colombian folkloric instrument el Tiple, as an exploration of the intersection between Latin-American rhythms, and electronic music. He will be learning about the origins of Spanish chordal instruments, and it’s influence on Colombia. Documenting conversations with local luthiers, photographing his experiences in Granada, and experiment with incorporating these to build sound architecture, and film animations.

[ESP]

Juanito Ariza es un artista multimedia colombiano radicado en Toronto. Su trabajo tiene como objetivo crear experiencias audiovisuales abstractas combinando sonido, fotografía cinematográfica y animación. Construyendo momentos experimentales que desafíen la estética de la música, cultivando la atención plena y la vulnerabilidad.

Juan se inspira en su identidad bicultural y experiencias de desarrollo. Enfocado en compartir la polinización cruzada cultural de su inmigración de Colombia a Canadá empleando equipos analógicos y nuevos formatos de medios. Está interesado en explorar las tensiones y los puentes entre lo viejo y lo nuevo y sus conexiones inherentes.

Durante su tiempo en la residencia de artistas LAV, Juan investigará el potencial sonoro del instrumento folclórico colombiano el Tiple, como una exploración de la intersección entre los ritmos latinoamericanos y la música electrónica. Aprenderá sobre los orígenes de los instrumentos de cuerda españoles y su influencia en Colombia. Documentar conversaciones con luthiers locales, fotografiar sus experiencias en Granada y experimentar con la incorporación de estas para construir arquitectura sonora y animaciones cinematográficas.

[ENG]

Born in Minnan, China, Fei Li is a Brooklyn based artist who explores the strength of fragility in the form of painting, public ritual and interactive storytelling. They create ambiguities of meaning and at the same time lead to crossing borders of language and societal constraints as she creates new structures. As a consequence of investigating the multiplicity of narrative and emotional elements, the formal qualities in her work are often pushed to the edge of cohesion. These complex relationships give rise to a tension between phantasmagoric imagery and the pursuit of an energy-infused aesthetic unity.

While at LAV, she is interested in exploring the juxtaposition of nature and the ruins in Granada, and how it echoes to the complex structure of culture and history. She will also expand her research on a new series of work that uses imaginary birds as alternative feminine mythology.

SP]

Fei Li, nacida en Minnan, China, es una artista de Brooklyn que explora la fuerza de la fragilidad en forma de pintura, ritual público y narración interactiva. Crean ambigüedades de significado y, al mismo tiempo, conducen a cruzar las fronteras del lenguaje y las restricciones sociales a medida que crea nuevas estructuras. Como consecuencia de la investigación de la multiplicidad de elementos narrativos y emocionales, las cualidades formales de su trabajo a menudo se llevan al borde de la cohesión. Estas complejas relaciones dan lugar a una tensión entre la imaginería fantasmagórica y la búsqueda de una unidad estética imbuida de energía.

Durante su estancia en LAV, explorará la yuxtaposición de la naturaleza y las ruinas en Granada, y cómo se refleja en la compleja estructura de la cultura y la historia. También ampliará su investigación en una nueva serie de trabajos que utiliza pájaros imaginarios como mitología femenina alternativa.

[ENG]

Helen K. Grant is a British artist who uses a variety of materials to produce wryly humorous objects and paintings. Her practice is intentionally erratic; veering between untidy abstraction and cartoon-like representation. She is interested in the unsaid, and in the relationships between absurdity and pathos, colour and form.
Alongside her art practice Helen co-runs Test Space, an artist-led exhibition project, and she works with AIM Art in Motion, a contemporary art group for people with learning disabilities. Helen has recently had artwork selected for The Lido Open in Margate, Winter Sculpture Park at Gallery 32 in London and Expanded Painting, AIR Gallery, Manchester.

While she is at LAV Helen intends to explore the rich architecture and history of Granada and make work that responds to these surroundings. She is particularly interested in the aniconic patterns found in the Alhambra and will make nylon tapestries or banners influenced by these designs. These will be temporarily hung in locations within the city during the course of her residency.

[ESP]

Helen K. Grant es una artista británica que utiliza variedad de materiales para producir objetos y pinturas irónicamente humorísticos. Su práctica es intencionalmente errática; oscilando entre la abstracción desordenada y la representación de dibujos animados. Le interesa lo no dicho y las relaciones entre absurdo y patetismo, color y forma.
Junto con su práctica artística, Helen codirige Test Space, un proyecto de exhibición dirigido por artistas, y trabaja con AIM Art in Motion, un grupo de arte contemporáneo para personas con discapacidades de aprendizaje. Recientemente, Helen ha tenido obras de arte seleccionadas para The Lido Open en Margate, Winter Sculpture Park en Gallery 32 en Londres y Expanded Painting, AIR Gallery, Manchester.

Mientras esté en LAV, Helen tiene la intención de explorar la rica arquitectura e historia de Granada y hacer un trabajo que responda a este entorno. Ella está particularmente interesada en los patrones anicónicos que se encuentran en la Alhambra y hará tapices de nailon o pancartas influenciadas por estos diseños. Estos se colgarán temporalmente en lugares dentro de la ciudad durante el transcurso de su residencia.

[ENG]

«I am an Estonian writer, editor and literary scholar. I have published articles, poems and short stories in different cultural magazines and newspapers. I have published two books, a collection of poems titled ‘Always so abruptly’ (Alati nii järsku) that was selected as a finalist for both Betti Alver Literary Award 2020 and Estonian Cultural Endowment Award 2021, and a personal essay cum interviews book titled ‘Thrust’ (Hoog), on the ambivalent role that alcohol plays in one’s social life. In everyday life I work as a proof-reader and a language editor in a publishing house. 

While staying in LAV Residence I will be working on my next poetry book called “The Basic Forms of Loneliness” consisting of 60 poems. The book allocates a salient role to the sense of body, as well as to the sense of space. Loneliness is, among other things, a bodily sensation, but it is also linked to space and memories. There is a distinction between solitude and being alone. The book begins with childhood and moves eventually back to childhood, but at the beginning the perception tends towards loneliness (a negative feeling), whereas at the end it moves towards positive solitude, towards getting in touch with one’s inner self. The final text of the book contrasts loneliness (hospital experience in childhood) with solitude, or being present here and now (home), which presupposes the possibility of being with others, inside one’s family, but which can also be felt most authentically when alone.»

[ESP]

«Soy una escritora, editora y experta literaria estonia. He publicado artículos, poemas y cuentos en diferentes revistas y periódicos culturales. He publicado dos libros, una colección de poemas titulada ‘Siempre tan abruptamente’ (Alati nii järsku) que fue seleccionado como finalista para el Premio Literario Betti Alver 2020 y el Premio de Dotación Cultural de Estonia 2021, y un ensayo personal con un libro de entrevistas titulado ‘Thrust’ (Hoog), sobre el papel ambivalente que juega el alcohol en la vida social de uno. Trabajo como corrector de pruebas y editor de idiomas en una editorial.

Durante mi estancia en LAV Artist Residence, estaré trabajando en mi próximo libro de poesía llamado «Las formas básicas de la soledad», que consta de 60 poemas. El libro asigna un papel destacado al sentido del cuerpo, así como al sentido del espacio. La soledad es, entre otras cosas, una sensación corporal, pero también está ligada al espacio ya los recuerdos. Hay una distinción entre soledad y estar solo. El libro comienza con la infancia y finalmente se remonta a la infancia, pero al principio la percepción tiende a la soledad (un sentimiento negativo), mientras que al final se mueve hacia la soledad positiva, hacia el contacto con uno mismo. El texto final del libro contrasta la soledad (experiencia hospitalaria en la infancia) con la soledad, o el estar presente aquí y ahora (hogar), que presupone la posibilidad de estar con los demás, dentro de la familia, pero que también se puede sentir más auténticamente en soledad.»

[ENG]

[ENG]

Self-taught artist and Forest Engineer by training. He has devoted nearly 30 years to environmental consulting and education. He has done artist-in-residence programs three times and has two solo shows: MicroMacro (2021) and Split (2019); as well as ten collectives in the last six years, being promoter and curator of some of them. His artistic work began in the 1980s with personal works without exhibition purposes. In the last three years he has been developing an artistic proposal that he calls MicroMacro.

“Over the last few years, my work has focused on creating an imaginary ecosystem, a metaphor for how ideas take shape and are sustained. Retinues of creatures roam a formless space, cut off from the landscape or a time frame. My approach to MicroMacro is mainly through sculpture, I use plastic materials such as ceramics, paper paste or epoxy putties to convey a particular sensation that reinforces the image or attitude of the creatures.»

[ESP]

Artista autodidacta e Ingeniero Forestal de formación. Ha dedicado casi 30 años a la consultoría ambiental y la educación. Ha realizado programas de artista en residencia en tres oportunidades y cuenta con dos muestras individuales: MicroMacro (2021) y Split (2019); así como diez colectivas en los últimos seis años, siendo promotor y curador de algunas de ellas.  Su trabajo artístico se inicia en los años 80 con trabajos personales sin fines expositivos.  En los últimos tres años viene desarrollando una propuesta artística que denomina MicroMacro.

«Durante los últimos años, mi trabajo se ha centrado en la creación de un ecosistema imaginario, una metáfora de cómo las ideas toman forma y se sostienen. Séquitos de criaturas vagan por un espacio sin forma, separado del paisaje o de un marco temporal. Mi acercamiento a MicroMacro es principalmente a través de la escultura, utilizo materiales plásticos como cerámica, pasta de papel o masillas epoxi para transmitir una sensación particular que refuerce la imagen o actitud de las criaturas.»

[ENG]

She graduated from the Fine Arts School of Fine Arts Corriente Alterna with the gold medal of the class of 2004. He has a bachelor’s degree in plastic arts through the complementary baccalaureate program of the Universidad Nacional Mayor de San Marcos. He has had nine individual exhibitions, both in Peru and abroad, and has participated in various artist-in-residence programs.

«My work revolves around the construction of space and how we relate to it. I have always been attracted to the nature of the universe and how it is configured; Where are you from; what is beyond the visible and how does it work as well as what is my role within it. I use geometry as a way to abstract these questions.

On this occasion I am interested in exploring the cartography of the city, traveling through space and investigating the patterns found in these urban plans and how they have been transformed, leaving a trace in the memory of the place.»

[ESP]

Egresó de la carrera de artes plásticas de la Escuela Superior de Bellas Arte Corriente Alterna con la medalla de oro de la promoción 2004. Es bachiller en artes plásticas a través del programa de bachillerato complementario de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha realizado nueve exposiciones individuales, tanto en el Perú cómo el extranjero y participado en varios programas de artista en residencia.

«Mi obra gira en torno a la construcción del espacio y cómo nos relacionamos con este. Siempre me he sentido atraída por la naturaleza del universo y cómo este se configura; cuál es su origen; qué hay más allá de lo visible y cómo funciona así como también, cuál es mi función dentro de él. Utilizo la geometría como una forma de abstraer estas interrogantes.

En esta oportunidad me interesa explorar la cartografía de la ciudad, recorrer el espacio e investigar sobre los patrones que se encuentran en estos planos urbanos y cómo se han ido transformando dejando un rastro en la memoria del lugar.»

[ENG]

Rita Bulatova aka Rita Sailor is a visual artist and a writer..She works in a range of mediums including digital illustration, acrylics, photography, as well as writes for theatre. Although drawn to arts from a very young age, she wasn’t planning on career in a creative field and went on to graduate with a Bachelors Degree in International Relations. Having started with a travel photography in her college years, she hasn’t given this medium the attention it deserved until her mid-twenties. Rita’s gradual transition into pursuing photography on a professional level has started by chance as she was asked to take maternity portraits for her sister-in-law. This first studio experience brought along new clients seeking to take portraits of their families or themselves. Starting to feel comfortable on set, Rita has then began experimenting with fashion and street photography. Heavily influenced by the works of Magnum photographers, Rita has always been in awe of photographers working in documentary genre. This pushed her to pursue a series of documentary projects including an ongoing burlesque series. When it comes to painting, Rita focuses on large scale portraits which draw you in with bold color choices. «With acrylics being just one of the mediums I work with, I approached my latest series of canvases as a challenge to myself to break away from I can achieve in photography. I came to each canvas free of preconceptions, attempting to teach myself to work on a larger scale, opting for bright colors and simple shapes, that would instantly grab viewer’s attention.”

[ESP]

Rita Bulatova, también conocida como Rita Sailor, es artista visual y escritora. Trabaja en una variedad de medios que incluyen ilustración digital, acrílicos, fotografía y escribe para teatro. Aunque atraída por las artes desde muy joven, no planeaba una carrera en un campo creativo y se graduó con una licenciatura en Relaciones Internacionales. Habiendo comenzado con una fotografía de viajes en sus años universitarios, no le ha dado a este medio la atención que merecía hasta mediados de los veinte. La transición gradual de Rita hacia la fotografía a nivel profesional comenzó por casualidad cuando le pidieron que tomara retratos de maternidad para su cuñada. Esta primera experiencia de estudio trajo consigo nuevos clientes que buscaban tomar retratos de sus familias o de ellos mismos. Comenzando a sentirse cómoda en el set, Rita comenzó a experimentar con la moda y la fotografía callejera. Fuertemente influenciada por las obras de los fotógrafos de Magnum, Rita siempre ha sentido admiración por los fotógrafos que trabajan en el género documental. Esto la empujó a emprender una serie de proyectos documentales, incluida una serie burlesca en curso. Cuando se trata de pintar, Rita se enfoca en retratos a gran escala que lo atraen con opciones de colores atrevidos. «Dado que los acrílicos son solo uno de los medios con los que trabajo, abordé mi última serie de lienzos como un desafío para mí mismo para romper con lo que puedo lograr en la fotografía. Llegué a cada lienzo libre de ideas preconcebidas, tratando de enseñarme a mí mismo a trabajar. en una escala mayor, optando por colores brillantes y formas simples, que captarían instantáneamente la atención del espectador”.

[ENG]

Onyinye Ezennia (Zennia) is a Nigerian experimental artist. She’s a member of the Society of Nigerian Artists (SNA) and Female Artists Association of Nigeria (FEAAN). She studied Graphics design at Institute of Management and Technology, Enugu (Fine and Applied Arts Department) graduating with a Distinction. She did her post graduate studies at Nnamdi Azikiwe University (Unizik), Awka.
She explores through different medium of art – social/documentary Photography, visual communication design, and exploration with light and sound which won her the prize for originality in 2014. She explores on String Art which won her the overall winner prize at the ‘Life in My City Art Festival’ (2016) and was a two-time finalist at the Visual Art Competition organised by Spanish Embassy in Nigeria (2018 and 2019). She won the 3rd prize in ‘Best Art’ co-organized by Nike art gallery and Best Nigeria, 2020.

Her works evokes emotions that has been extracted from her experiences. They’re strongly influenced by universal experiences that allow greater empathy for the numerous challenges affecting all humans no matter their origin.

She has participated in various group exhibitions, workshops and competitions which include: “the Tutor & the Tutored”, a Group Exhibition at National Gallery, Enugu, 2015; Pan African Artist (PACA) Exhibition Dakar Biennial Off, Senegal, 2018; October Rain by society of Nigerian artists at Thought pyramid art centre Lagos Nigeria, 2019; “Balance for Better” by Female artist association of Nigeria at Nike art gallery Lekki Lagos. “Small Making” by InSEA (International Society for Education through Art) at the University of British Columbia, Canada, July 2019; “Insight” by Xavier University of Louisiana in collaboration with Nike Art Gallery New Orleans, Louisiana, USA, 2019 and “Affordable Art Auction” by Arthouse Contemporary, 2020.

[ESP]

Onyinye Ezennia (Zennia) es una artista experimental nigeriana. Es miembro de la Sociedad de Artistas Nigerianos (SNA) y de la Asociación de Artistas Femeninas de Nigeria (FEAAN). Estudió Diseño Gráfico en el Instituto de Administración y Tecnología, Enugu (Departamento de Bellas Artes y Artes Aplicadas) y se graduó con Distinción. Hizo sus estudios de posgrado en la Universidad Nnamdi Azikiwe (Unizik), Awka.
Explora a través de diferentes medios de arte: fotografía social / documental, diseño de comunicación visual y exploración con luz y sonido, lo que le valió el premio a la originalidad en 2014. Explora en String Art, que le valió el premio ganador general en la ‘Life in My City Art Festival ‘(2016) y fue dos veces finalista en el Concurso de Artes Visuales organizado por la Embajada de España en Nigeria (2018 y 2019). Ganó el tercer premio en «Mejor arte» coorganizado por la galería de arte Nike y Best Nigeria, 2020.

Su obra evoca emociones extraídas de sus vivencias. Están fuertemente influenciados por experiencias universales que permiten una mayor empatía por los numerosos desafíos que afectan a todos los humanos sin importar su origen.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas, talleres y concursos que incluyen: “El Tutor y el Tutorado”, una Exposición Colectiva en la National Gallery, Enugu, 2015; Exposición de Artista Panafricano (PACA) Bienal de Dakar Off, Senegal, 2018; October Rain por la sociedad de artistas nigerianos en el centro de arte Thought Pyramid Lagos, Nigeria, 2019; “Balance for Better” por la asociación de artistas femeninas de Nigeria en la galería de arte Nike Lekki Lagos. “Small Making” por InSEA (Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte) en la Universidad de British Columbia, Canadá, julio de 2019; “Insight” de Xavier University of Louisiana en colaboración con Nike Art Gallery New Orleans, Louisiana, EE. UU., 2019 y “Affordable Art Auction” de Arthouse Contemporary, 2020.

[ENG]

Saidhbhín Gibson’s work explores the commodification of Nature for and by humans. Her work focuses on human-centric attitudes to the environment. Multifarious methods of production are employed in the manufacture of the work including video, photography, sculpture, needlepoint lace and text. The making of the work exemplifies economy rather than excess to further enhance an awareness of the environmental impact of human actions.

Saidhbhín Gibson has exhibited nationally and internationally in solo and group shows most recently including Hindsight is 2020, Rua Red, Dublin 2020, A Vague Anxiety, IMMA, Dublin 2019, Encounters with the Land, VISUAL Centre for Contemporary Art, Carlow, 2018 where she was awarded the Éigse Graduate Award, Cairde Visual, The Model, Sligo 2018, Loping Towards Darkness, VISUAL Centre for Contemporary Art (solo), 2017 and ‘Make it OK’ touring to seven UK venues 2015-17.

[ESP]

El trabajo de Saidhbhín Gibson explora el enfoque centrado en el ser humano hacia la vida más que humana y el consumo de la naturaleza por parte de los humanos. Emplea múltiples métodos en la producción y fabricación de su obra, que incluyen video, fotografía, escultura, encaje de aguja y texto.

La realización del trabajo ejemplifica la economía más que el exceso para mejorar aún más la conciencia del impacto ambiental de las acciones humanas.

Saidhbhín Gibson ha expuesto recientemente a nivel nacional e internacional en exposiciones individuales y colectivas, incluidas Hindsight is 2020, Rua Red, Dublin 2020, A Vague Anxiety, IMMA, Dublin 2019, Encounters with the Land, VISUAL Centre for Contemporary Art, Carlow, 2018 donde ella fue galardonado con el Premio Éigse Graduate, Cairde Visual, The Model, Sligo 2018, Loping Towards Darkness, VISUAL Center for Contemporary Art (solo), 2017 y ‘Make it OK’ con una gira por siete lugares del Reino Unido 2015-17.