LAV Residents Archive

[ENG]

«I graduated from the Faculty of Painting at the Academy of Fine Arts in Cracow. I mostly paint and create objects which are a link between mysterious baroque style and contemporary kitch. The same qualites are in my objects which are extension to painting. I connect most extreme emotions in my works to get as close to the terror and splendour of the baroque style.

I express myself through painting. This particular medium allowed me to touch on a story that artists have shared over the centuries. In the paintings I want to present the rich Christian symbolism and iconography, as well as mythology and religion. 

I am looking for contradictions and extreme emotions, hence my great inspiration from the darkness and splendor of the Baroque. I try to combine universal themes in the context of modern man. I focus on the human figure suspended between pain and pleasure. I tell stories using symbols that have been copied many times in the history of art, and now appear in popular culture, assuming more and more ambiguous forms.

I am looking for inspiration from the world of art and its bizarre nooks and crannies. I look in bestiaries in search of mysterious creatures and I’m associating them with saints and holy archetypes. On the basis of this symbolic tissue, I will create a new story.»

[ESP]

«Me gradué en la Facultad de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Principalmente pinto y creo objetos que son un vínculo entre el misterioso estilo barroco y la cocina contemporánea. Las mismas cualidades están en mis objetos que son una extensión de la pintura. Conecto emociones más extremas en mis obras para acercarme lo más posible al terror y esplendor del estilo barroco.

Me expreso a través de la pintura. Este medio en particular me permitió tocar una historia que los artistas han compartido a lo largo de los siglos. En las pinturas quiero presentar la rica simbología e iconografía cristiana, así como la mitología y la religión.

Busco contradicciones y emociones extremas, de ahí mi gran inspiración en la oscuridad y el esplendor del Barroco. Trato de combinar temas universales en el contexto del hombre moderno. Me concentro en la figura humana suspendida entre el dolor y el placer. Cuento historias usando símbolos que han sido copiados muchas veces en la historia del arte y ahora aparecen en la cultura popular, asumiendo formas cada vez más ambiguas.

Busco inspiración en el mundo del arte y sus extraños rincones y grietas. Miro en los bestiarios en busca de criaturas misteriosas y las asocio con santos y arquetipos sagrados. Sobre la base de este tejido simbólico, crearé una nueva historia».

[ENG]

Anne-Julie Hynes is a multidisciplinary artist from Montreal, Canada. She works with different mediums such as painting, photography, collage and sculpture. Her talent has allowed her to be chosen for various research and creation art residencies around the world. She now considers herself a nomadic artist. Since graduating from Concordia University’s Fine Arts program, Anne-Julie Hynes’ artwork has been shown in Canada, as well as in China, Poland, Denmark, Germany, Austria, Hungary and Tahiti. Her work has been featured in several publications, such as Vie des Arts and Plaisirs de Vivre. Many of her creations are part of private and public collections, including Le Meridien in Tahiti, Town of Ste-Therese and Energir in Montreal, Canada.

[ESP]

Anne-Julie Hynes es una artista multidisciplinar de Montreal, Canadá. Trabaja con diferentes medios como la pintura, la fotografía, el collage y la escultura. Su talento le ha permitido ser elegida para diversas residencias de investigación y creación de arte alrededor del mundo. Ahora se considera una artista nómada. Desde que se graduó del programa de Bellas Artes de la Universidad de Concordia, las obras de arte de Anne-Julie Hynes se han exhibido en Canadá, así como en China, Polonia, Dinamarca, Alemania, Austria, Hungría y Tahití. Su trabajo ha aparecido en varias publicaciones, como Vie des Arts y Plaisirs de Vivre. Muchas de sus creaciones forman parte de colecciones públicas y privadas, incluidas Le Meridien en Tahití, Town of Ste-Therese y Energir en Montreal, Canadá.

[ENG]

Paula Catalina Ruiz was born in Bogotá, Colombia, when she just turned 6 she moved to Mexico, so she was fortunate to grow up between two cultures that nurtured her knowledge. From a young age, artistic expressions such as singing, dancing, painting and spontaneous drawing were the way in which she was able to connect both with her interior and with the exterior.

In Mexico, there she carried out her academic training, including her studies in the Bachelor of Visual Arts for Photographic Expression at the University of Guadalajara (UdeG). During her first year of university she fell in love with the analog processes, being in contact with the whole procedure: taking the pictures, developing the roll, entering the laboratory and printing the image. That’s when she Paula confirmed that art is a powerful tool to express, communicate and perhaps make our reality more enjoyable.

Most of her creative ideas come spontaneously, she often likes to describe herself as “an impressionist photographer” as she is passionate about capturing photographs that come naturally in an instant that she would never repeat herself in the same way.

Each person has a very unique point of view with which they see and live the world, we can be in the same place at the same time and notice completely different things.

Photography has the ability to portray moments that are never repeated, which is why it is the perfect tool for carrying out this project. Specifically, analog photography will make it something more spontaneous and natural, so it cannot be reviewed, or deleting the photograph that has just been portrayed will make the process as honest and real as possible.

Therefore, this project will consist of bringing together 4 people, including myself, to leave at the same time on the same tour through the streets of Granada, each one will carry an analog camera and they will have the freedom to photograph what catches their attention during the tour. Subsequently, the rolls will be revealed and 4 collages will be made that will show the point of view of each participant, so each one of the collages seeks to extract the particular vision to recognize the value of the different perspectives that each person has of the city, a space urban full of diversity, details and highlights.

[ESP]

Paula Catalina Ruiz nació en Bogotá, Colombia, a los 6 años recién cumplidos se mudó a México por lo que tuvo la fortuna de crecer entre dos culturas que nutrieron su conocimiento. Desde una corta edad las expresiones artísticas como el canto, el baile, la pintura y el dibujo espontáneo, fueron la manera en la que pudo conectar tanto con su interior como con el exterior.

En México ahí realizó su formación académica incluyendo sus estudios en la Licenciatura en Artes Visuales para la Expresión Fotográfica en la Universidad de Guadalajara (UdeG). Durante su primer año universitario se enamoró de los procesos análogos, estar en contacto con todo el procedimiento: tomar las fotografías, revelar el rollo, entrar al laboratorio e imprimir la imagen. Allí fue cuando Paula confirmó que el arte es una herramienta poderosa para expresar, comunicar y quizá hacer más amena nuestra realidad.

La mayoría de sus ideas creativas surgen espontáneamente, a menudo le gusta describirse como “una fotógrafa impresionista” ya que le apasiona capturar las fotografías que nacen naturalmente en un instante que jamás se volvería a repetir de la misma forma.

Cada persona tiene un punto de vista muy único con el que ve y vive el mundo, podemos estar en un mismo lugar a una misma hora y notar cosas completamente distintas.

La fotografía tiene la capacidad de retratar momentos que jamás se vuelven a repetir por eso es la herramienta perfecta para la realización de este proyecto. Concretamente la fotografía análoga hará que sea algo más espontáneo y natural por lo que no se puede revisar, ni borrar la fotografía que se acaba de retratar hará que el proceso sea lo más honesto y real posible.

Por lo anterior este proyecto consistirá en reunir a 4 personas incluyéndome para salir a la misma hora en un mismo recorrido por las calles de Granada, cada uno portará una cámara análoga y tendrán la libertad de retratar lo que les llame la atención durante el recorrido. Posteriormente se revelarán los rollos y se realizarán 4 collages que mostrarán el punto de vista de cada participante por lo que cada uno de los collages busca extraer la visión particular para reconocer el valor de las diferentes perspectivas que cada persona tiene de la ciudad, un espacio urbano lleno de diversidad, detalles y aspectos destacados.

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[ESP]

Karl Ingar Røys es un artista y cineasta del oeste de Noruega que vive entre Oslo, Bangkok y Berlín. Su práctica consiste en crear diferentes plataformas de especulación, construcción e intercambio de conocimiento. Karl Ingar Røys estudió Derecho en la Universidad Ártica de Tromsø, Práctica Crítica de Bellas Artes en el St. Martins College of Art & Design de Londres y Política Comparada en la Universidad de Bergen, donde investigaba el papel del activismo cultural en las sociedades en transición. Røys ha expuesto internacionalmente, con proyectos recientes realizados en Kube Art Museum, Ålesund, Ars Electronica, Linz, Tentacles Art Space, Bangkok, Berlin School of Economics and Law, Kunstnernes Hus, Oslo, Rex Culture Centre, Belgrade, Tallinn Kunst Hall, Estonia y Künstlerhaus Büchsenhausen, Austria.

I Sing the Body Sing (título del proyecto)
Mueve tu mano, pisotea tus pies, abre la boca, abre los ojos

El flamenco utiliza un lenguaje de resistencia para expresar oposición. En palabras de una bailaora de Flo6x8 1flashmob, “el flamenco capta perfectamente cómo nos sentimos ante la crisis. Puedes usarlo para expresar desesperación, rabia, dolor y el deseo de cambiar las cosas”. Este grupo anticapitalista ha sido muy publicitado por sus actuaciones políticas que han tenido lugar en bancos e incluso en el parlamento andaluz. La retórica y el estilo de actuación del flamenco pueden distraer temporalmente a los observadores del statu quo, atrayendo brevemente su atención hacia una realidad alternativa, hacia los dolores y alegrías comunes que experimentan las masas que viven más allá de los estilos de vida protegidos de la élite. Es menos probable que la protesta política y el activismo social vengan a la mente cuando se piensa en el flamenco, pero para algunos artistas siempre ha sido una poderosa herramienta para expresar la protesta política. Su lado político ha salido a relucir en épocas de convulsión social. Los republicanos durante la Guerra Civil Española cantaron mensajes ideológicos desafiando al régimen de Franco en pos de la democracia y la igualdad.

Dumas, Tony. «Fandango y la Retórica de la Resistencia en el Flamenco».

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[ENG]
Rika Maja Duevel is a painter and mixed media artist originally from Stavanger, Norway, now residing in Amsterdam, Netherlands. She is a global nomad and this triggers the nucleus of her work. With each new adventure, she finds new inspiration. Her artwork manifests from her daily experiences, the idea of capturing the moment. She allows herself to embrace or let go of each experience by sharing a piece of it with others. Her wish is that the observer might be able to pull their own experience from each piece. As a painter and mixed media artist, she explores the boundaries of what the material can do. She often uses vibrant colors and patterns to document each story. A sketchbook always within her reach, is her portable way of capturing each idea as they come. This process has taken her all over the world and with each destination she documents a different story, a different moment.

An awarding winning artist, Rika Maja Duevel graduated from Wheaton College, SACI, and Lesley University and then took her art studies and continued her art path around the world. In just the last year she has exhibited in Amsterdam, The Netherlands, Rome, Venice, Milan in Italy, Barcelona, Spain, and Paris, France. A recent Guest Artist Lecturer at the University of Amsterdam’s Business School (UVA) where she spoke about being an artist and entrepreneur and was published in this year’s “50 Artists to Watch 2023 Edition” by the Florence Contemporary Gallery and the “Artists of Today and Tomorrow 3” by Monica Ferrarini.

The project she will develop while in Granada is to extend the themes of her current work embedded into the female experience and the journey. The main theme she would like to focus on in Granada is deeper research into the concept of the Introverted Artist, the unseen soul. She has completed 1 piece already called “Things are Not Always What They Seem” with this focus. Because Granada already has her heart she would also love to do a series dedicated to the city of Granada itself, an attempt to capture the sounds, movements, and beauty.
[ESP]

Rika Maja Duevel es una pintora y artista de medios mixtos originaria de Stavanger, Noruega, que ahora reside en Ámsterdam, Países Bajos. Es una nómada global y esto desencadena el núcleo de su obra. Con cada nueva aventura, encuentra nueva inspiración. Su obra manifiesta desde sus experiencias diarias, la idea de capturar el momento. Se permite abrazar o dejar ir cada experiencia compartiendo una parte de ella con los demás. Su deseo es que el observador pueda extraer su propia experiencia de cada pieza. Como pintora y artista de medios mixtos, explora los límites de lo que puede hacer el material. A menudo usa colores y patrones vibrantes para documentar cada historia. Un cuaderno de bocetos siempre a su alcance, es su forma portátil de capturar cada idea a medida que se presenta. Este proceso la ha llevado por todo el mundo y con cada destino documenta una historia diferente, un momento diferente.

Una artista galardonada, Rika Maja Duevel se graduó de Wheaton College, SACI y Lesley University y luego tomó sus estudios de arte y continuó su camino artístico en todo el mundo. Tan solo en el último año ha expuesto en Ámsterdam, Holanda, Roma, Venecia, Milán en Italia, Barcelona, España y París, Francia. Recientemente fue profesora invitada de la Escuela de Negocios de la Universidad de Ámsterdam (UVA), donde habló sobre ser artista y emprendedora y fue publicada en la edición de 2023 de «50 artistas a seguir» de este año por la Galería Contemporánea de Florencia y los «Artistas de hoy y Mañana 3” de Mónica Ferrarini.

El proyecto que desarrollará en Granada es extender los temas de su trabajo actual incrustados en la experiencia femenina y el viaje. El tema principal en el que le gustaría centrarse en Granada es la investigación más profunda del concepto del Artista Introvertido, el alma invisible. Ha completado 1 pieza ya llamada «Las cosas no siempre son lo que parecen» con este enfoque. Como Granada ya tiene su corazón, también le encantaría hacer una serie dedicada a la propia ciudad de Granada, un intento de capturar los sonidos, los movimientos y la belleza.

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[ESP]

Jesse Jory es un artista emergente que vive y trabaja en Los Ángeles, California. Su obra se centra principalmente en formas escultóricas y documentación fotográfica que explora la tensión entre la naturaleza, la cultura humana y las preguntas existenciales sobre la impermanencia, la obsolescencia y la libertad.

Vidas Inspiradoras: Retratos de Andalucía

«Vidas Inspiradoras: Retratos de Andalucía» rinde homenaje a cuatro personas inspiradoras que han entretejido sus vidas en el tejido de esta cautivadora región, haciendo especial hincapié en su profunda conexión con el medio ambiente, la naturaleza y la libertad personal.

[ENG]

«I’ve been drawing since I remember, but I still have a lot to discover in my work, as in life. my current mission is to find consistency in the chaos of my practice.»

«I utilise symbolic visual language in order to process my intense experience of the world. I’m interested in most things, but often come back to ideas of (literal and figurative) connection and interaction. I like to be playful with compositions and representations and I always question convention. I’m skeptical of categories and prefer to stay in-between: between play and method, figuration and abstraction, real and imagined. I like the process of making to be led by impulse. I view the world like cinema, and naturally find myself constructing surreal figures & scenes.»

«Whilst I’m at LAV, I hope to harness the excitement of being somewhere new. I plan to observe and consider my surroundings, collate the bits of it which strike me and refine the resulting thoughts and shapes into a series of 2D works. as I approach the end of my third decade on Earth, I find myself deep in myself – so contemplation of the past will have dialogue with a fresh experience of the present. titles come when work is done, but my working name for this project is magical tradicións – taken from a friend’s Spanglish praise for the city of Granada.»

[ESP]

«Dibujo desde que tengo memoria, pero aún tengo mucho por descubrir en mi trabajo, como en la vida. mi misión actual es encontrar consistencia en el caos de mi práctica.»

«Utilizo un lenguaje visual simbólico para procesar mi intensa experiencia del mundo. Estoy interesado en la mayoría de las cosas, pero a menudo vuelvo a las ideas de conexión e interacción (literal y figurativa). Me gusta jugar con las composiciones y representaciones y siempre cuestiono las convenciones. Soy escéptico con las categorías y prefiero quedarme en el medio: entre el juego y el método, la figuración y la abstracción, lo real y lo imaginado. Me gusta que el proceso de hacer sea llevado por impulso. Veo el mundo como el cine y, naturalmente, me encuentro construyendo figuras y escenas surrealistas.»

«Mientras estoy en LAV, espero aprovechar la emoción de estar en un lugar nuevo. Planeo observar y considerar mi entorno, cotejar las partes que me sorprenden y refinar los pensamientos y formas resultantes en una serie de obras en 2D. a medida que me acerco al final de mi tercera década en la Tierra, me encuentro profundamente en mí mismo, por lo que la contemplación del pasado dialogará con una nueva experiencia del presente. los títulos vienen cuando el trabajo está terminado, pero mi nombre de trabajo para este proyecto es tradiciones mágicas, tomado de un elogio en spanglish de un amigo para la ciudad de Granada.»

[ENG]

Rima Sater is a Lebanese-Canadian interdisciplinary artist with a focus on film photography and experimental film making. Her practice extends to installation, animation, and creative writing through which she examines the absurdities and mundane meanings of quotidian scenes and subjects. Rima’s main interest lies in re-contextualizing everyday life details by transforming natural and architectural landscapes through motion and lighting, shape and colour. In doing so, she creates surreal images that explore the idea of how we each give meaning to the overlooked symbols in our lives.

Rima Sater es una artista interdisciplinar libanesa-canadiense centrada en la fotografía cinematográfica y el cine experimental. Su práctica se extiende a la instalación, la animación y la escritura creativa, a través de las cuales examina los significados absurdos y mundanos de escenas y temas cotidianos. El principal interés de Rima reside en recontextualizar detalles de la vida cotidiana transformando paisajes naturales y arquitectónicos mediante el movimiento y la iluminación, la forma y el color. Al hacerlo, crea imágenes surrealistas que exploran la idea de cómo cada uno de nosotros da significado a los símbolos que pasamos por alto en nuestras vidas.

««Exploración del espacio negativo en una atmósfera positiva» es un título que le puse a una foto hace algunos años y quería volver sobre su significado. Mi objetivo es utilizar este juego de palabras para explorar temas como el duelo, el tiempo y la memoria, el escapismo y la existencia (o la falta de ella) a través de la escritura creativa y el cine/fotografía en movimiento. Al sumergirme en los diversos paisajes de Granada, espero complementar las imágenes surrealistas que quiero crear con estos conceptos que a menudo se expanden más allá de nuestro conocimiento y comprensión concretos.»

[ENG]

Gabrielle D’Angelo (b.1989) is an artist currently working and living in Queens, New York. Her work is primarily abstract and focuses on materials’ ability to articulate the self — a body, a position. Gabrielle received her BFA from The Cooper Union (2011) and MFA from The Yale School of Art (2019) where she received the A.A Low Fund Prize and the Ely Harwood Schless Memorial Fund Prize. She has participated in residencies at Soaring Gardens Artist Retreat, Atlantic Center for the Arts, LaMama, Chez Bushwick and Cora Dance. Her work has been exhibited at Steve Turner Gallery, Green Gallery, Treasure Town and Chashama 461 gallery.

«During my time at the LAV residency I will focus on the book form. Specifically, I will explore fold out book techniques and the book as installation. This project will address my experiences in Granada intuitively, using paintings and drawings on handmade paper and an accumulation of found objects. I am particularly interested in the architecture of the Alhambra and its relation to communicating ideas through abstraction. The book form will serve as a structure to focus my experiences and explore ways of building form through visual and haptic knowledge.»

[ESP]

Gabrielle D’Angelo (1989) es una artista que vive y trabaja en Queens, Nueva York. Su trabajo es principalmente abstracto y se centra en la capacidad de los materiales para articular el yo – un cuerpo, una posición. Gabrielle recibió su BFA de The Cooper Union (2011) y MFA de The Yale School of Art (2019), donde recibió el A.A Low Fund Prize y el Ely Harwood Schless Memorial Fund Prize. Ha participado en residencias en Soaring Gardens Artist Retreat, Atlantic Center for the Arts, LaMama, Chez Bushwick y Cora Dance. Su obra se ha expuesto en Steve Turner Gallery, Green Gallery, Treasure Town y Chashama 461 gallery.

«Durante mi estancia en la residencia LAV me centraré en la forma del libro. En concreto, exploraré las técnicas del libro desplegable y el libro como instalación. Este proyecto abordará mis experiencias en Granada de forma intuitiva, utilizando pinturas y dibujos sobre papel hecho a mano y una acumulación de objetos encontrados. Me interesa especialmente la arquitectura de la Alhambra y su relación con la comunicación de ideas a través de la abstracción. La forma de libro servirá como estructura para centrar mis experiencias y explorar maneras de construir la forma a través del conocimiento visual y háptico.»

[ENG]

Darcy McVicar is an artist from London, Ontario, Canada.  He graduated with Honours in May 2023 from the University of Western Ontario with a BFA (Visual Arts).  Darcy specializes in creating original Watercolour, Acrylic and Oil painting.  Darcy also works with original  sculptures, installation pieces, cyanotype, screen prints and multiples.  Darcy does commission work for original paintings including portraits.

[ESP]

Darcy McVicar es una artista de London, Ontario, Canadá. Se graduó con honores en mayo de 2023 de la Universidad de Western Ontario con un BFA (Artes Visuales). Darcy se especializa en la creación de acuarela original, acrílico y pintura al óleo. Darcy también trabaja con esculturas originales, piezas de instalación, cianotipos, serigrafías y múltiplos. Darcy realiza encargos de pinturas originales, incluidos retratos.

[ENG]

Abby King (USA, 1989) is a visual artist and educator residing in Vienna, Austria. Abby received her BFA in Painting from Xavier University and her MFA from the Pennsylvania Academy of the Fine Arts. She has participated in numerous exhibitions around the country, most recently at Plato Gallery, Automat Gallery, and Marginal Utility  in Philadelphia. She is the recipient of the Breuggeman Fellowship grant and two New Courtland Fellowships from the Center for Emerging Visual Artists. King has attended art residencies at Cortex Frontal in Arraiolos Portugal, Favelab in Athens, Greece, and will be working with LAV Artist Residency in Grenada, Spain this November.

«My studio practice is rooted in an exploration of my American background. It draws strongly on the complexity of heritage and assumed norms that are referenced from memories, the cities I’ve lived in, and the politics of gender. I consider myself a visual anthropologist, cataloging and surveying these experiences.»

King will be creating a series of drawings and fiber works inspired by her time spent at LAV Artist Residence. Over the month of November she will be immersing herself in the physical texture of Granada and studying the tile work of the city, specifically the Alhambra. This architecture is characterized by its geometric, plant, and epigraphic motifs, similar processes King has explored in her textile work. The result will be hand tufted works she will finish on her loom in Vienna.

[ESP]

Abby King (EE.UU., 1989) es una artista visual y educadora residente en Viena, Austria. Abby se licenció en Pintura en la Universidad Xavier y obtuvo un máster en Bellas Artes en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Ha participado en numerosas exposiciones por todo el país, las más recientes en Plato Gallery, Automat Gallery y Marginal Utility de Filadelfia. Ha recibido la beca Breuggeman y dos becas New Courtland del Center for Emerging Visual Artists. King ha realizado residencias artísticas en Cortex Frontal, en Arraiolos (Portugal), Favelab, en Atenas (Grecia), y en noviembre trabajará con LAV Artist Residency, en Granada (España).

«Mi estudio se basa en la exploración de mis orígenes americanos. Se basa en gran medida en la complejidad de la herencia y las normas asumidas que hacen referencia a los recuerdos, las ciudades en las que he vivido y la política de género. Me considero una antropóloga visual que cataloga y estudia estas experiencias».

King creará una serie de dibujos y obras de fibra inspiradas en su estancia en LAV Artist Residency. Durante el mes de noviembre se sumergirá en la textura física de Granada y estudiará los azulejos de la ciudad, concretamente los de la Alhambra. Esta arquitectura se caracteriza por sus motivos geométricos, vegetales y epigráficos, procesos similares que King ha explorado en su obra textil. El resultado serán obras empenachadas a mano que terminará en su telar de Viena.

[ENG]

Klena Eduard is a multimedia artist, director, author and curator.
Balancing between insanity and strange moral central european culture and society.
MA of arts in Seoul, South Korea and Bratislava, Slovakia, currently working in media of drawing, installation, video and curating. (I invite you to visit my web n IG – klenaeduard for news in my work and complete CV) questioning gender roles (interest is amplified by moral decline and neo conservative movements) working with minorities / sexual or national.

My proposal for you goes as follows. As a person from minority and self named introvert I want to use drawing / linocut / cardboard installation and video to work with self mantinels or barriers made my major culture. Avoiding or adapting to borders and therefore changing modifying deforming self presence while questioning where this one person could be with or without obstacles made by others.

[ESP]

Klena Eduard es artista multimedia, director, autor y comisario.
Equilibrio entre la locura y la extraña moral de la cultura y la sociedad centroeuropeas.
MA de las artes en Seúl, Corea del Sur y Bratislava, Eslovaquia, actualmente trabajando en los medios de comunicación de dibujo, instalación, vídeo y comisariado. (Te invito a visitar mi web n IG – klenaeduard para las noticias en mi trabajo y CV completo) cuestionando los roles de género (el interés se amplifica por la decadencia moral y los movimientos neo conservadores) trabajando con minorías / sexual o nacional.

Mi propuesta para ti es la siguiente. Como persona perteneciente a una minoría y autodenominada introvertida quiero utilizar el dibujo / linograbado / instalación de cartón y vídeo para trabajar con auto mantineles o barreras hechas mi cultura mayor. Evitar o adaptarse a las fronteras y por lo tanto cambiar, modificar, deformar la presencia de uno mismo mientras se cuestiona donde esta persona podría estar con o sin obstáculos hechos por otros.

[ENG]

Hailing Liu (She/They) is a multimedia artist born in China (Chinese: 刘海玲; b.1997). They received their MFA in Film, Video, New Media, and Animation at the School of the Art Institute of Chicago. Their work employs diverse media in their art practice: video (2D & 3D animation), computer-based media (Augmented Reality, Social media), writing, printing, and installation. Focusing on family history, the Internet, digital diaspora, and grass-root culture, their work explores the narratives and history reconstructed in the virtual environment, and examines digital image consumption in people’s daily lives, highlighting the social impact of media representations from digital images. 

As a first-time visitor to Granada, I am interested in turning my traveling experience into a multi-sensory installation. Within half a month, I will try to bring objects/ digital materials every day back to the studio during my exploration of the city, then turn them into everyday art practice. Photos, found objects, scents, videos, QR code, AR… I want to play with multiple mediums to convert my prompt observations and emotions during the stay.

[ESP]

Hailing Liu (She/They) es una artista multimedia nacida en China (chino: 刘海玲; n.1997). Se licenciaron en Cine, Vídeo, Nuevos Medios y Animación en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Su trabajo emplea diversos medios en su práctica artística: vídeo (animación 2D y 3D), medios informáticos (realidad aumentada, medios sociales), escritura, impresión e instalación. Centrándose en la historia familiar, Internet, la diáspora digital y la cultura de base, su trabajo explora las narrativas y la historia reconstruida en el entorno virtual, y examina el consumo de imágenes digitales en la vida cotidiana de las personas, destacando el impacto social de las representaciones mediáticas a partir de imágenes digitales.

Como visitante de Granada por primera vez, me interesa convertir mi experiencia de viaje en una instalación multisensorial. En el plazo de medio mes, intentaré traer objetos/materiales digitales cada día al estudio durante mi exploración de la ciudad, para luego convertirlos en práctica artística cotidiana. Fotos, objetos encontrados, aromas, vídeos, códigos QR, RA… Quiero jugar con múltiples medios para convertir mis prontas observaciones y emociones durante la estancia.

[ENG]

She is a writer, dancer, art educator and philosopher. She received my Ph.D. in philosophy at the University of Helsinki in 2013, and she’s the author of the acclaimed book Gender and Sexuality in Stoic Philosophy (Palgrave Macmillan, New York, 2018) as well as multiple anthology articles on philosophy, gender and dance. She has worked as a professional dancer and arts educator in Finland and New York City since 2012. For example,as a Teaching Artist at the Center for Arts Education in New York City 2016-17, and as Arts Education Manager at Bronx Music Heritage Center in 2017. As a dancer, she has performed on small and big stages in Finland and the USA.

In her work, I intertwine philosophy with art, and she is most inspired to work with interdisciplinary projects with a social impact. For example, she conducted workshops combining dance, poetry and philosophy at Rikers Island female prison in New York City, through the Rethink Community Outreach Program at Columbia University (2016-17). As an arts educator, she has worked extensively with at-risk children and youth, e.g. designing and conducting programs where immigrant children learnt English language through arts (CAE & New York City Department of Education, 2016-17). In Finland, she has collaborated intensively with several museums and cultural institutions such as Helinä Rautavaara Museum, Theater Museum and Cultural House Kääntöpaikka. In these institutions, her work has centered on multicultural arts education, bringing together dance traditions particularly from the African diaspora and jazz heritage. Her work with children builds on theoretical foundations laid down by problem-based learning, phenomenon-based learning and interdisciplinarity, which means e.g. combining movement with exercises in creative writing or visual arts.

[ESP]

Es escritora, bailarina, educadora de arte y filósofa. Recibió su doctorado en filosofía en la Universidad de Helsinki en 2013, y es autora del aclamado libro Gender and Sexuality in Stoic Philosophy (Palgrave Macmillan, Nueva York, 2018), así como de varios artículos de antología sobre filosofía, género y danza. Ha trabajado como bailarina profesional y educadora artística en Finlandia y la ciudad de Nueva York desde 2012. Por ejemplo, como artista docente en el Center for Arts Education en la ciudad de Nueva York 2016-17, y como gerente de educación artística en Bronx Music Heritage Center en 2017. Como bailarina, ha actuado en pequeños y grandes escenarios en Finlandia y Estados Unidos.

En su trabajo entrelaza la filosofía con el arte, generando proyectos interdisciplinarios con impacto social. Por ejemplo, realizó talleres que combinan danza, poesía y filosofía en la prisión de mujeres de Rikers Island en la ciudad de Nueva York, a través del Programa Rethink Community Outreach en la Universidad de Columbia (2016-17). Como educadora artística, ha trabajado extensamente con niños y jóvenes en riesgo, p. Ej. diseñar y llevar a cabo programas donde los niños inmigrantes aprendieron el idioma inglés a través del arte (CAE y Departamento de Educación de la Ciudad de Nueva York, 2016-17). En Finlandia, ha colaborado intensamente con varios museos e instituciones culturales como el Museo Helinä Rautavaara, el Museo del Teatro y la Casa Cultural Kääntöpaikka. En estas instituciones, su trabajo se ha centrado en la educación artística multicultural, reuniendo tradiciones de danza, particularmente de la diáspora africana y la herencia del jazz. Su trabajo con niños se basa en fundamentos teóricos establecidos por el aprendizaje basado en problemas, el aprendizaje basado en fenómenos y la interdisciplinariedad, lo que significa, por ejemplo, Combinando movimiento con ejercicios de escritura creativa o artes visuales.

[ESP]

Stephanie Del Carpio Torres es una artista peruanoamericana que vive y trabaja en Berlín, Alemania. Su enfoque en el retrato proviene de su amor por la historia y su interés por llevar un diario. Ella ve su trabajo como una serie de anotaciones en el diario que conmemoran, para ella, momentos importantes de su vida. El autorretrato es un proceso a través del cual examina capas de su personalidad, cuestionando las identidades que se proyectaron en ella como inmigrante que crecía en Estados Unidos. ¿Cómo se reconcilian las diferentes culturas en la crianza y luego en la búsqueda de la identidad?

En su trabajo, Stephanie analiza los modos de representación eurocéntricos para reinsertar su perspectiva única en un canon que históricamente ha sido exclusivo de las voces de inmigrantes. Su trabajo explora temas del hogar, su reciente reubicación en Europa, las conexiones dentro de la familia y las formas sutiles en las que su educación y experiencias culturales han dado forma a su identidad.

Durante su tiempo en LAV Artist Residence, estudiará la rica historia visual de Andalucia. Como lugar de convergencia de muchas culturas y religiones a lo largo de los siglos, Granada será el escenario para una exploración de las muchas formas en que se puede acceder y experimentar su vocabulario visual. A través del autorretrato examinará la historia, así como los patrones vibrantes, colores y elementos decorativos de la arquitectura mudéjar y los espacios interiores para descubrir nuevos y personales puntos de entrada.

[ENG]

Alexandra Wilson is a New York City-based multi-media artist working in sculpture, fiber, and film. Driven by her experience as a seamstress and costume designer, her work concentrates on the process of fabrication. She combines new-media tools and technologies with traditional image-making in order to shift perspective and dimensional understandings of common objects. She explores the friction among domesticity, labor, and tourism through the lens of the trivial and works to disturb and disorient any familiar context.

The dialogue between the original, everyday object and its abstraction prompts insights of scale and function. In one instance, a laundry basket morphs into a modernist highrise. The cityscape has proven a fertile source of artistic inspiration for my work and comes naturally to me as a native New Yorker. I would bring the same sense of discovery and exploration to Granada and its objects.

“My experience with making ceramic vessels has highlighted the important role of water as an transformative material.  Water is added to soften the clay when forming on the wheel and then removed when firing.  Even a dry clay vessel can be rehydrated back to its component parts- clay and water.  Throughout visual history the liquid container endures and has materially evolved from clay to modern day materials (plastic, glass, silicon, and metal).  During my residency, I want to explore the vessel as it is portrayed throughout art.  With this collection of pieces, I aim to distill our enduring need to collect, contain, and control water.  In conjunction with this consideration of water (in its liquid state), I am intrigued with water in its solid state (ice) as a substance that can take the form of a vessel but also can transform back to its formless state.  I foresee these inquiries to manifest as drawings and/ or a sculptural representation.“

[ESP]

Alexandra Wilson es una artista multimedia con sede en la ciudad de Nueva York que trabaja en escultura, fibra y cine. Impulsada por su experiencia como costurera y diseñadora de vestuario, su trabajo se concentra en el proceso de fabricación. Combina herramientas y tecnologías de los nuevos medios con la creación de imágenes tradicionales para cambiar la perspectiva y la comprensión dimensional de los objetos comunes. Explora la fricción entre la domesticidad, el trabajo y el turismo a través de la lente de lo trivial y trabaja para perturbar y desorientar cualquier contexto familiar.

El diálogo entre el objeto cotidiano original y su abstracción invita a comprender la escala y la función. En un caso, un cesto de ropa se transforma en un rascacielos modernista. El paisaje urbano ha demostrado ser una fuente fértil de inspiración artística para mi trabajo y me resulta natural como neoyorquina nativa. Granada y sus objetos aportarían el mismo sentido de descubrimiento y exploración.

«Mi experiencia con la fabricación de vasijas de cerámica ha resaltado el importante papel del agua como material transformador. Se agrega agua para ablandar la arcilla cuando se forma en la rueda y luego se retira cuando se cuece. Incluso una vasija de arcilla seca se puede rehidratar de nuevo a sus componentes: arcilla y agua. A lo largo de la historia visual, el contenedor de líquidos perdura y ha evolucionado materialmente desde la arcilla hasta los materiales modernos (plástico, vidrio, silicona y metal). Durante mi residencia, quiero explorar la vasija tal como se representa en el arte. Con esta colección de piezas, pretendo destilar nuestra necesidad perdurable de recolectar, contener y controlar el agua. Junto con esta consideración del agua (en su estado líquido), me intriga el agua en su estado sólido (hielo) como una sustancia que puede tomar la forma de un recipiente pero también puede transformarse de nuevo a su estado sin forma. Preveo que estas indagaciones se manifiesten como dibujos y/o una representación escultórica.»

[ENG]

Juanito Ariza is a Colombian multi-media artist based in Toronto. His work aims to create abstract audio-visual experiences collaging sound, film photography, and animation. Building experimental moments that challenge the aesthetics of music, cultivating mindfulness, and vulnerability.

Juan draws inspiration from his bi-cultural identity, and developmental experiences. Focused on sharing the cultural cross-pollination of his immigration from Colombia to Canada employing analog gear, and new media formats. He is interested in exploring the tensions, and bridges between the old, and the new and its inherent connections.

During his time at the LAV artist Residency, Juan will investigate the sonic potential of the Colombian folkloric instrument el Tiple, as an exploration of the intersection between Latin-American rhythms, and electronic music. He will be learning about the origins of Spanish chordal instruments, and it’s influence on Colombia. Documenting conversations with local luthiers, photographing his experiences in Granada, and experiment with incorporating these to build sound architecture, and film animations.

[ESP]

Juanito Ariza es un artista multimedia colombiano radicado en Toronto. Su trabajo tiene como objetivo crear experiencias audiovisuales abstractas combinando sonido, fotografía cinematográfica y animación. Construyendo momentos experimentales que desafíen la estética de la música, cultivando la atención plena y la vulnerabilidad.

Juan se inspira en su identidad bicultural y experiencias de desarrollo. Enfocado en compartir la polinización cruzada cultural de su inmigración de Colombia a Canadá empleando equipos analógicos y nuevos formatos de medios. Está interesado en explorar las tensiones y los puentes entre lo viejo y lo nuevo y sus conexiones inherentes.

Durante su tiempo en la residencia de artistas LAV, Juan investigará el potencial sonoro del instrumento folclórico colombiano el Tiple, como una exploración de la intersección entre los ritmos latinoamericanos y la música electrónica. Aprenderá sobre los orígenes de los instrumentos de cuerda españoles y su influencia en Colombia. Documentar conversaciones con luthiers locales, fotografiar sus experiencias en Granada y experimentar con la incorporación de estas para construir arquitectura sonora y animaciones cinematográficas.

[ENG]

Born in Minnan, China, Fei Li is a Brooklyn based artist who explores the strength of fragility in the form of painting, public ritual and interactive storytelling. They create ambiguities of meaning and at the same time lead to crossing borders of language and societal constraints as she creates new structures. As a consequence of investigating the multiplicity of narrative and emotional elements, the formal qualities in her work are often pushed to the edge of cohesion. These complex relationships give rise to a tension between phantasmagoric imagery and the pursuit of an energy-infused aesthetic unity.

While at LAV, she is interested in exploring the juxtaposition of nature and the ruins in Granada, and how it echoes to the complex structure of culture and history. She will also expand her research on a new series of work that uses imaginary birds as alternative feminine mythology.

SP]

Fei Li, nacida en Minnan, China, es una artista de Brooklyn que explora la fuerza de la fragilidad en forma de pintura, ritual público y narración interactiva. Crean ambigüedades de significado y, al mismo tiempo, conducen a cruzar las fronteras del lenguaje y las restricciones sociales a medida que crea nuevas estructuras. Como consecuencia de la investigación de la multiplicidad de elementos narrativos y emocionales, las cualidades formales de su trabajo a menudo se llevan al borde de la cohesión. Estas complejas relaciones dan lugar a una tensión entre la imaginería fantasmagórica y la búsqueda de una unidad estética imbuida de energía.

Durante su estancia en LAV, explorará la yuxtaposición de la naturaleza y las ruinas en Granada, y cómo se refleja en la compleja estructura de la cultura y la historia. También ampliará su investigación en una nueva serie de trabajos que utiliza pájaros imaginarios como mitología femenina alternativa.

[ENG]

Helen K. Grant is a British artist who uses a variety of materials to produce wryly humorous objects and paintings. Her practice is intentionally erratic; veering between untidy abstraction and cartoon-like representation. She is interested in the unsaid, and in the relationships between absurdity and pathos, colour and form.
Alongside her art practice Helen co-runs Test Space, an artist-led exhibition project, and she works with AIM Art in Motion, a contemporary art group for people with learning disabilities. Helen has recently had artwork selected for The Lido Open in Margate, Winter Sculpture Park at Gallery 32 in London and Expanded Painting, AIR Gallery, Manchester.

While she is at LAV Helen intends to explore the rich architecture and history of Granada and make work that responds to these surroundings. She is particularly interested in the aniconic patterns found in the Alhambra and will make nylon tapestries or banners influenced by these designs. These will be temporarily hung in locations within the city during the course of her residency.

[ESP]

Helen K. Grant es una artista británica que utiliza variedad de materiales para producir objetos y pinturas irónicamente humorísticos. Su práctica es intencionalmente errática; oscilando entre la abstracción desordenada y la representación de dibujos animados. Le interesa lo no dicho y las relaciones entre absurdo y patetismo, color y forma.
Junto con su práctica artística, Helen codirige Test Space, un proyecto de exhibición dirigido por artistas, y trabaja con AIM Art in Motion, un grupo de arte contemporáneo para personas con discapacidades de aprendizaje. Recientemente, Helen ha tenido obras de arte seleccionadas para The Lido Open en Margate, Winter Sculpture Park en Gallery 32 en Londres y Expanded Painting, AIR Gallery, Manchester.

Mientras esté en LAV, Helen tiene la intención de explorar la rica arquitectura e historia de Granada y hacer un trabajo que responda a este entorno. Ella está particularmente interesada en los patrones anicónicos que se encuentran en la Alhambra y hará tapices de nailon o pancartas influenciadas por estos diseños. Estos se colgarán temporalmente en lugares dentro de la ciudad durante el transcurso de su residencia.

[ENG]

«I am an Estonian writer, editor and literary scholar. I have published articles, poems and short stories in different cultural magazines and newspapers. I have published two books, a collection of poems titled ‘Always so abruptly’ (Alati nii järsku) that was selected as a finalist for both Betti Alver Literary Award 2020 and Estonian Cultural Endowment Award 2021, and a personal essay cum interviews book titled ‘Thrust’ (Hoog), on the ambivalent role that alcohol plays in one’s social life. In everyday life I work as a proof-reader and a language editor in a publishing house. 

While staying in LAV Residence I will be working on my next poetry book called “The Basic Forms of Loneliness” consisting of 60 poems. The book allocates a salient role to the sense of body, as well as to the sense of space. Loneliness is, among other things, a bodily sensation, but it is also linked to space and memories. There is a distinction between solitude and being alone. The book begins with childhood and moves eventually back to childhood, but at the beginning the perception tends towards loneliness (a negative feeling), whereas at the end it moves towards positive solitude, towards getting in touch with one’s inner self. The final text of the book contrasts loneliness (hospital experience in childhood) with solitude, or being present here and now (home), which presupposes the possibility of being with others, inside one’s family, but which can also be felt most authentically when alone.»

[ESP]

«Soy una escritora, editora y experta literaria estonia. He publicado artículos, poemas y cuentos en diferentes revistas y periódicos culturales. He publicado dos libros, una colección de poemas titulada ‘Siempre tan abruptamente’ (Alati nii järsku) que fue seleccionado como finalista para el Premio Literario Betti Alver 2020 y el Premio de Dotación Cultural de Estonia 2021, y un ensayo personal con un libro de entrevistas titulado ‘Thrust’ (Hoog), sobre el papel ambivalente que juega el alcohol en la vida social de uno. Trabajo como corrector de pruebas y editor de idiomas en una editorial.

Durante mi estancia en LAV Artist Residence, estaré trabajando en mi próximo libro de poesía llamado «Las formas básicas de la soledad», que consta de 60 poemas. El libro asigna un papel destacado al sentido del cuerpo, así como al sentido del espacio. La soledad es, entre otras cosas, una sensación corporal, pero también está ligada al espacio ya los recuerdos. Hay una distinción entre soledad y estar solo. El libro comienza con la infancia y finalmente se remonta a la infancia, pero al principio la percepción tiende a la soledad (un sentimiento negativo), mientras que al final se mueve hacia la soledad positiva, hacia el contacto con uno mismo. El texto final del libro contrasta la soledad (experiencia hospitalaria en la infancia) con la soledad, o el estar presente aquí y ahora (hogar), que presupone la posibilidad de estar con los demás, dentro de la familia, pero que también se puede sentir más auténticamente en soledad.»

[ENG]

[ENG]

Self-taught artist and Forest Engineer by training. He has devoted nearly 30 years to environmental consulting and education. He has done artist-in-residence programs three times and has two solo shows: MicroMacro (2021) and Split (2019); as well as ten collectives in the last six years, being promoter and curator of some of them. His artistic work began in the 1980s with personal works without exhibition purposes. In the last three years he has been developing an artistic proposal that he calls MicroMacro.

“Over the last few years, my work has focused on creating an imaginary ecosystem, a metaphor for how ideas take shape and are sustained. Retinues of creatures roam a formless space, cut off from the landscape or a time frame. My approach to MicroMacro is mainly through sculpture, I use plastic materials such as ceramics, paper paste or epoxy putties to convey a particular sensation that reinforces the image or attitude of the creatures.»

[ESP]

Artista autodidacta e Ingeniero Forestal de formación. Ha dedicado casi 30 años a la consultoría ambiental y la educación. Ha realizado programas de artista en residencia en tres oportunidades y cuenta con dos muestras individuales: MicroMacro (2021) y Split (2019); así como diez colectivas en los últimos seis años, siendo promotor y curador de algunas de ellas.  Su trabajo artístico se inicia en los años 80 con trabajos personales sin fines expositivos.  En los últimos tres años viene desarrollando una propuesta artística que denomina MicroMacro.

«Durante los últimos años, mi trabajo se ha centrado en la creación de un ecosistema imaginario, una metáfora de cómo las ideas toman forma y se sostienen. Séquitos de criaturas vagan por un espacio sin forma, separado del paisaje o de un marco temporal. Mi acercamiento a MicroMacro es principalmente a través de la escultura, utilizo materiales plásticos como cerámica, pasta de papel o masillas epoxi para transmitir una sensación particular que refuerce la imagen o actitud de las criaturas.»

[ENG]

She graduated from the Fine Arts School of Fine Arts Corriente Alterna with the gold medal of the class of 2004. He has a bachelor’s degree in plastic arts through the complementary baccalaureate program of the Universidad Nacional Mayor de San Marcos. He has had nine individual exhibitions, both in Peru and abroad, and has participated in various artist-in-residence programs.

«My work revolves around the construction of space and how we relate to it. I have always been attracted to the nature of the universe and how it is configured; Where are you from; what is beyond the visible and how does it work as well as what is my role within it. I use geometry as a way to abstract these questions.

On this occasion I am interested in exploring the cartography of the city, traveling through space and investigating the patterns found in these urban plans and how they have been transformed, leaving a trace in the memory of the place.»

[ESP]

Egresó de la carrera de artes plásticas de la Escuela Superior de Bellas Arte Corriente Alterna con la medalla de oro de la promoción 2004. Es bachiller en artes plásticas a través del programa de bachillerato complementario de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha realizado nueve exposiciones individuales, tanto en el Perú cómo el extranjero y participado en varios programas de artista en residencia.

«Mi obra gira en torno a la construcción del espacio y cómo nos relacionamos con este. Siempre me he sentido atraída por la naturaleza del universo y cómo este se configura; cuál es su origen; qué hay más allá de lo visible y cómo funciona así como también, cuál es mi función dentro de él. Utilizo la geometría como una forma de abstraer estas interrogantes.

En esta oportunidad me interesa explorar la cartografía de la ciudad, recorrer el espacio e investigar sobre los patrones que se encuentran en estos planos urbanos y cómo se han ido transformando dejando un rastro en la memoria del lugar.»

[ENG]

Rita Bulatova aka Rita Sailor is a visual artist and a writer..She works in a range of mediums including digital illustration, acrylics, photography, as well as writes for theatre. Although drawn to arts from a very young age, she wasn’t planning on career in a creative field and went on to graduate with a Bachelors Degree in International Relations. Having started with a travel photography in her college years, she hasn’t given this medium the attention it deserved until her mid-twenties. Rita’s gradual transition into pursuing photography on a professional level has started by chance as she was asked to take maternity portraits for her sister-in-law. This first studio experience brought along new clients seeking to take portraits of their families or themselves. Starting to feel comfortable on set, Rita has then began experimenting with fashion and street photography. Heavily influenced by the works of Magnum photographers, Rita has always been in awe of photographers working in documentary genre. This pushed her to pursue a series of documentary projects including an ongoing burlesque series. When it comes to painting, Rita focuses on large scale portraits which draw you in with bold color choices. «With acrylics being just one of the mediums I work with, I approached my latest series of canvases as a challenge to myself to break away from I can achieve in photography. I came to each canvas free of preconceptions, attempting to teach myself to work on a larger scale, opting for bright colors and simple shapes, that would instantly grab viewer’s attention.”

[ESP]

Rita Bulatova, también conocida como Rita Sailor, es artista visual y escritora. Trabaja en una variedad de medios que incluyen ilustración digital, acrílicos, fotografía y escribe para teatro. Aunque atraída por las artes desde muy joven, no planeaba una carrera en un campo creativo y se graduó con una licenciatura en Relaciones Internacionales. Habiendo comenzado con una fotografía de viajes en sus años universitarios, no le ha dado a este medio la atención que merecía hasta mediados de los veinte. La transición gradual de Rita hacia la fotografía a nivel profesional comenzó por casualidad cuando le pidieron que tomara retratos de maternidad para su cuñada. Esta primera experiencia de estudio trajo consigo nuevos clientes que buscaban tomar retratos de sus familias o de ellos mismos. Comenzando a sentirse cómoda en el set, Rita comenzó a experimentar con la moda y la fotografía callejera. Fuertemente influenciada por las obras de los fotógrafos de Magnum, Rita siempre ha sentido admiración por los fotógrafos que trabajan en el género documental. Esto la empujó a emprender una serie de proyectos documentales, incluida una serie burlesca en curso. Cuando se trata de pintar, Rita se enfoca en retratos a gran escala que lo atraen con opciones de colores atrevidos. «Dado que los acrílicos son solo uno de los medios con los que trabajo, abordé mi última serie de lienzos como un desafío para mí mismo para romper con lo que puedo lograr en la fotografía. Llegué a cada lienzo libre de ideas preconcebidas, tratando de enseñarme a mí mismo a trabajar. en una escala mayor, optando por colores brillantes y formas simples, que captarían instantáneamente la atención del espectador”.

[ENG]

Onyinye Ezennia (Zennia) is a Nigerian experimental artist. She’s a member of the Society of Nigerian Artists (SNA) and Female Artists Association of Nigeria (FEAAN). She studied Graphics design at Institute of Management and Technology, Enugu (Fine and Applied Arts Department) graduating with a Distinction. She did her post graduate studies at Nnamdi Azikiwe University (Unizik), Awka.
She explores through different medium of art – social/documentary Photography, visual communication design, and exploration with light and sound which won her the prize for originality in 2014. She explores on String Art which won her the overall winner prize at the ‘Life in My City Art Festival’ (2016) and was a two-time finalist at the Visual Art Competition organised by Spanish Embassy in Nigeria (2018 and 2019). She won the 3rd prize in ‘Best Art’ co-organized by Nike art gallery and Best Nigeria, 2020.

Her works evokes emotions that has been extracted from her experiences. They’re strongly influenced by universal experiences that allow greater empathy for the numerous challenges affecting all humans no matter their origin.

She has participated in various group exhibitions, workshops and competitions which include: “the Tutor & the Tutored”, a Group Exhibition at National Gallery, Enugu, 2015; Pan African Artist (PACA) Exhibition Dakar Biennial Off, Senegal, 2018; October Rain by society of Nigerian artists at Thought pyramid art centre Lagos Nigeria, 2019; “Balance for Better” by Female artist association of Nigeria at Nike art gallery Lekki Lagos. “Small Making” by InSEA (International Society for Education through Art) at the University of British Columbia, Canada, July 2019; “Insight” by Xavier University of Louisiana in collaboration with Nike Art Gallery New Orleans, Louisiana, USA, 2019 and “Affordable Art Auction” by Arthouse Contemporary, 2020.

[ESP]

Onyinye Ezennia (Zennia) es una artista experimental nigeriana. Es miembro de la Sociedad de Artistas Nigerianos (SNA) y de la Asociación de Artistas Femeninas de Nigeria (FEAAN). Estudió Diseño Gráfico en el Instituto de Administración y Tecnología, Enugu (Departamento de Bellas Artes y Artes Aplicadas) y se graduó con Distinción. Hizo sus estudios de posgrado en la Universidad Nnamdi Azikiwe (Unizik), Awka.
Explora a través de diferentes medios de arte: fotografía social / documental, diseño de comunicación visual y exploración con luz y sonido, lo que le valió el premio a la originalidad en 2014. Explora en String Art, que le valió el premio ganador general en la ‘Life in My City Art Festival ‘(2016) y fue dos veces finalista en el Concurso de Artes Visuales organizado por la Embajada de España en Nigeria (2018 y 2019). Ganó el tercer premio en «Mejor arte» coorganizado por la galería de arte Nike y Best Nigeria, 2020.

Su obra evoca emociones extraídas de sus vivencias. Están fuertemente influenciados por experiencias universales que permiten una mayor empatía por los numerosos desafíos que afectan a todos los humanos sin importar su origen.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas, talleres y concursos que incluyen: “El Tutor y el Tutorado”, una Exposición Colectiva en la National Gallery, Enugu, 2015; Exposición de Artista Panafricano (PACA) Bienal de Dakar Off, Senegal, 2018; October Rain por la sociedad de artistas nigerianos en el centro de arte Thought Pyramid Lagos, Nigeria, 2019; “Balance for Better” por la asociación de artistas femeninas de Nigeria en la galería de arte Nike Lekki Lagos. “Small Making” por InSEA (Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte) en la Universidad de British Columbia, Canadá, julio de 2019; “Insight” de Xavier University of Louisiana en colaboración con Nike Art Gallery New Orleans, Louisiana, EE. UU., 2019 y “Affordable Art Auction” de Arthouse Contemporary, 2020.

[ENG]

Saidhbhín Gibson’s work explores the commodification of Nature for and by humans. Her work focuses on human-centric attitudes to the environment. Multifarious methods of production are employed in the manufacture of the work including video, photography, sculpture, needlepoint lace and text. The making of the work exemplifies economy rather than excess to further enhance an awareness of the environmental impact of human actions.

Saidhbhín Gibson has exhibited nationally and internationally in solo and group shows most recently including Hindsight is 2020, Rua Red, Dublin 2020, A Vague Anxiety, IMMA, Dublin 2019, Encounters with the Land, VISUAL Centre for Contemporary Art, Carlow, 2018 where she was awarded the Éigse Graduate Award, Cairde Visual, The Model, Sligo 2018, Loping Towards Darkness, VISUAL Centre for Contemporary Art (solo), 2017 and ‘Make it OK’ touring to seven UK venues 2015-17.

[ESP]

El trabajo de Saidhbhín Gibson explora el enfoque centrado en el ser humano hacia la vida más que humana y el consumo de la naturaleza por parte de los humanos. Emplea múltiples métodos en la producción y fabricación de su obra, que incluyen video, fotografía, escultura, encaje de aguja y texto.

La realización del trabajo ejemplifica la economía más que el exceso para mejorar aún más la conciencia del impacto ambiental de las acciones humanas.

Saidhbhín Gibson ha expuesto recientemente a nivel nacional e internacional en exposiciones individuales y colectivas, incluidas Hindsight is 2020, Rua Red, Dublin 2020, A Vague Anxiety, IMMA, Dublin 2019, Encounters with the Land, VISUAL Centre for Contemporary Art, Carlow, 2018 donde ella fue galardonado con el Premio Éigse Graduate, Cairde Visual, The Model, Sligo 2018, Loping Towards Darkness, VISUAL Center for Contemporary Art (solo), 2017 y ‘Make it OK’ con una gira por siete lugares del Reino Unido 2015-17.