Archivo de Artistas Residentes

Residentes 2022

Malin Grahn-Wilder

01.01.2022 – 28.02.2022

Helsinki (Finlandia)

Imagen:
Houman Auriell

Es escritora, bailarina, educadora de arte y filósofa. Recibió su doctorado en filosofía en la Universidad de Helsinki en 2013, y es autora del aclamado libro Gender and Sexuality in Stoic Philosophy (Palgrave Macmillan, Nueva York, 2018), así como de varios artículos de antología sobre filosofía, género y danza. Ha trabajado como bailarina profesional y educadora artística en Finlandia y la ciudad de Nueva York desde 2012. Por ejemplo, como artista docente en el Center for Arts Education en la ciudad de Nueva York 2016-17, y como gerente de educación artística en Bronx Music Heritage Center en 2017. Como bailarina, ha actuado en pequeños y grandes escenarios en Finlandia y Estados Unidos.

En su trabajo entrelaza la filosofía con el arte, generando proyectos interdisciplinarios con impacto social. Por ejemplo, realizó talleres que combinan danza, poesía y filosofía en la prisión de mujeres de Rikers Island en la ciudad de Nueva York, a través del Programa Rethink Community Outreach en la Universidad de Columbia (2016-17). Como educadora artística, ha trabajado extensamente con niños y jóvenes en riesgo, p. Ej. diseñar y llevar a cabo programas donde los niños inmigrantes aprendieron el idioma inglés a través del arte (CAE y Departamento de Educación de la Ciudad de Nueva York, 2016-17). En Finlandia, ha colaborado intensamente con varios museos e instituciones culturales como el Museo Helinä Rautavaara, el Museo del Teatro y la Casa Cultural Kääntöpaikka. En estas instituciones, su trabajo se ha centrado en la educación artística multicultural, reuniendo tradiciones de danza, particularmente de la diáspora africana y la herencia del jazz. Su trabajo con niños se basa en fundamentos teóricos establecidos por el aprendizaje basado en problemas, el aprendizaje basado en fenómenos y la interdisciplinariedad, lo que significa, por ejemplo, Combinando movimiento con ejercicios de escritura creativa o artes visuales.

Stephanie Del Carpio Torres

01.03.2022 – 30.04.2022

Perú / EEUU, 1986

Stephanie Del Carpio Torres es una artista peruanoamericana que vive y trabaja en Berlín, Alemania. Su enfoque en el retrato proviene de su amor por la historia y su interés por llevar un diario. Ella ve su trabajo como una serie de anotaciones en el diario que conmemoran, para ella, momentos importantes de su vida. El autorretrato es un proceso a través del cual examina capas de su personalidad, cuestionando las identidades que se proyectaron en ella como inmigrante que crecía en Estados Unidos. ¿Cómo se reconcilian las diferentes culturas en la crianza y luego en la búsqueda de la identidad?

En su trabajo, Stephanie analiza los modos de representación eurocéntricos para reinsertar su perspectiva única en un canon que históricamente ha sido exclusivo de las voces de inmigrantes. Su trabajo explora temas del hogar, su reciente reubicación en Europa, las conexiones dentro de la familia y las formas sutiles en las que su educación y experiencias culturales han dado forma a su identidad.

Durante su tiempo en LAV Artist Residence, estudiará la rica historia visual de Andalucia. Como lugar de convergencia de muchas culturas y religiones a lo largo de los siglos, Granada será el escenario para una exploración de las muchas formas en que se puede acceder y experimentar su vocabulario visual. A través del autorretrato examinará la historia, así como los patrones vibrantes, colores y elementos decorativos de la arquitectura mudéjar y los espacios interiores para descubrir nuevos y personales puntos de entrada.

Alexandra Wilson

01.05.2022 – 31.06.2022

Nueva York (EEUU), 1993

Alexandra Wilson es una artista multimedia con sede en la ciudad de Nueva York que trabaja en escultura, fibra y cine. Impulsada por su experiencia como costurera y diseñadora de vestuario, su trabajo se concentra en el proceso de fabricación. Combina herramientas y tecnologías de los nuevos medios con la creación de imágenes tradicionales para cambiar la perspectiva y la comprensión dimensional de los objetos comunes. Explora la fricción entre la domesticidad, el trabajo y el turismo a través de la lente de lo trivial y trabaja para perturbar y desorientar cualquier contexto familiar.

El diálogo entre el objeto cotidiano original y su abstracción invita a comprender la escala y la función. En un caso, un cesto de ropa se transforma en un rascacielos modernista. El paisaje urbano ha demostrado ser una fuente fértil de inspiración artística para mi trabajo y me resulta natural como neoyorquina nativa. Granada y sus objetos aportarían el mismo sentido de descubrimiento y exploración.

«Mi experiencia con la fabricación de vasijas de cerámica ha resaltado el importante papel del agua como material transformador. Se agrega agua para ablandar la arcilla cuando se forma en la rueda y luego se retira cuando se cuece. Incluso una vasija de arcilla seca se puede rehidratar de nuevo a sus componentes: arcilla y agua. A lo largo de la historia visual, el contenedor de líquidos perdura y ha evolucionado materialmente desde la arcilla hasta los materiales modernos (plástico, vidrio, silicona y metal). Durante mi residencia, quiero explorar la vasija tal como se representa en el arte. Con esta colección de piezas, pretendo destilar nuestra necesidad perdurable de recolectar, contener y controlar el agua. Junto con esta consideración del agua (en su estado líquido), me intriga el agua en su estado sólido (hielo) como una sustancia que puede tomar la forma de un recipiente pero también puede transformarse de nuevo a su estado sin forma. Preveo que estas indagaciones se manifiesten como dibujos y/o una representación escultórica.»

Juanito Ariza

01.07.2022 – 31.08.2022

Colombia, 1999

Juanito Ariza es un artista multimedia colombiano radicado en Toronto. Su trabajo tiene como objetivo crear experiencias audiovisuales abstractas combinando sonido, fotografía cinematográfica y animación. Construyendo momentos experimentales que desafíen la estética de la música, cultivando la atención plena y la vulnerabilidad.

Juan se inspira en su identidad bicultural y experiencias de desarrollo. Enfocado en compartir la polinización cruzada cultural de su inmigración de Colombia a Canadá empleando equipos analógicos y nuevos formatos de medios. Está interesado en explorar las tensiones y los puentes entre lo viejo y lo nuevo y sus conexiones inherentes.

Durante su tiempo en la residencia de artistas LAV, Juan investigará el potencial sonoro del instrumento folclórico colombiano el Tiple, como una exploración de la intersección entre los ritmos latinoamericanos y la música electrónica. Aprenderá sobre los orígenes de los instrumentos de cuerda españoles y su influencia en Colombia. Documentar conversaciones con luthiers locales, fotografiar sus experiencias en Granada y experimentar con la incorporación de estas para construir arquitectura sonora y animaciones cinematográficas.

Fei Li

01.08.2022 – 31.08.2022

EEUU / China

Fei Li, nacida en Minnan, China, es una artista de Brooklyn que explora la fuerza de la fragilidad en forma de pintura, ritual público y narración interactiva. Crean ambigüedades de significado y, al mismo tiempo, conducen a cruzar las fronteras del lenguaje y las restricciones sociales a medida que crea nuevas estructuras. Como consecuencia de la investigación de la multiplicidad de elementos narrativos y emocionales, las cualidades formales de su trabajo a menudo se llevan al borde de la cohesión. Estas complejas relaciones dan lugar a una tensión entre la imaginería fantasmagórica y la búsqueda de una unidad estética imbuida de energía.

Durante su estancia en LAV, explorará la yuxtaposición de la naturaleza y las ruinas en Granada, y cómo se refleja en la compleja estructura de la cultura y la historia. También ampliará su investigación en una nueva serie de trabajos que utiliza pájaros imaginarios como mitología femenina alternativa.

Ramon Ostolaza

01.11.2022 – 30.11.2022

Lima (Perú), 1966

Artista autodidacta e Ingeniero Forestal de formación. Ha dedicado casi 30 años a la consultoría ambiental y la educación. Ha realizado programas de artista en residencia en tres oportunidades y cuenta con dos muestras individuales: MicroMacro (2021) y Split (2019); así como diez colectivas en los últimos seis años, siendo promotor y curador de algunas de ellas.  Su trabajo artístico se inicia en los años 80 con trabajos personales sin fines expositivos.  En los últimos tres años viene desarrollando una propuesta artística que denomina MicroMacro.

«Durante los últimos años, mi trabajo se ha centrado en la creación de un ecosistema imaginario, una metáfora de cómo las ideas toman forma y se sostienen. Séquitos de criaturas vagan por un espacio sin forma, separado del paisaje o de un marco temporal.

Mi acercamiento a MicroMacro es principalmente a través de la escultura, utilizo materiales plásticos como cerámica, pasta de papel o masillas epoxi para transmitir una sensación particular que refuerce la imagen o actitud de las criaturas.»

Iliana Scheggia

01.11.2022 – 30.11.2022

Lima (Perú), 1972

Egresó de la carrera de artes plásticas de la Escuela Superior de Bellas Arte Corriente Alterna con la medalla de oro de la promoción 2004. Es bachiller en artes plásticas a través del programa de bachillerato complementario de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha realizado nueve exposiciones individuales, tanto en el Perú cómo el extranjero y participado en varios programas de artista en residencia.

«Mi obra gira en torno a la construcción del espacio y cómo nos relacionamos con este. Siempre me he sentido atraída por la naturaleza del universo y cómo este se configura; cuál es su origen; qué hay más allá de lo visible y cómo funciona así como también, cuál es mi función dentro de él. Utilizo la geometría como una forma de abstraer estas interrogantes.

En esta oportunidad me interesa explorar la cartografía de la ciudad, recorrer el espacio e investigar sobre los patrones que se encuentran en estos planos urbanos y cómo se han ido transformando dejando un rastro en la memoria del lugar.»

Residentes 2021

Cosa Mentale

Célia Bétourné & Louis Cortes

01.08.2021 – 31.08.2021

Francia

Cosa Mentale es un joven colectivo de arte digital compuesto por Célia Bétourné and Louis Cortes. Procedentes de la escena digital real-time, nuestro colectivo nace con la intención de explorar la práctica a tiempo real orientada generalmente hacia los nuevos medios. (Realidad Virtual, instalaciones inmersivas/interactivas, video mapping…). Los nuevos modos asociados con la creación digital y sus paradigmas son la mayor inspiración para nuestro colectivo, tanto en su lógica de creación como en su estética.

A través de su trabajo nos permiten desplegar un imaginario ligado a las nuevas tecnologías cercano a lo que realmente son: dispositivos y software con capacidades limitadas, pero con infinitas posibilidades virtuales. Sus piezas / sistemas en su mayoría interactivos, integran a través de procesos generativos la materia digital en la infinidad de sus expresiones. Estas variaciones infinitas de la materia digital nos llevan a pensar en ella como un objeto casi místico entre un sistema autónomo y un objeto con una plasticidad fascinante.

Onyinye Ezennia

01.10.2021 – 31.10.2021

Nigeria

Onyinye Ezennia (Zennia) es una artista experimental nigeriana. Es miembro de la Sociedad de Artistas Nigerianos (SNA) y de la Asociación de Artistas Femeninas de Nigeria (FEAAN). Estudió Diseño Gráfico en el Instituto de Administración y Tecnología, Enugu (Departamento de Bellas Artes y Artes Aplicadas) y se graduó con Distinción. Hizo sus estudios de posgrado en la Universidad Nnamdi Azikiwe (Unizik), Awka.
Explora a través de diferentes medios de arte: fotografía social / documental, diseño de comunicación visual y exploración con luz y sonido, lo que le valió el premio a la originalidad en 2014. Explora en String Art, que le valió el premio ganador general en la ‘Life in My City Art Festival ‘(2016) y fue dos veces finalista en el Concurso de Artes Visuales organizado por la Embajada de España en Nigeria (2018 y 2019). Ganó el tercer premio en «Mejor arte» coorganizado por la galería de arte Nike y Best Nigeria, 2020.

Su obra evoca emociones extraídas de sus vivencias. Están fuertemente influenciados por experiencias universales que permiten una mayor empatía por los numerosos desafíos que afectan a todos los humanos sin importar su origen.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas, talleres y concursos que incluyen: “El Tutor y el Tutorado”, una Exposición Colectiva en la National Gallery, Enugu, 2015; Exposición de Artista Panafricano (PACA) Bienal de Dakar Off, Senegal, 2018; October Rain por la sociedad de artistas nigerianos en el centro de arte Thought Pyramid Lagos, Nigeria, 2019; “Balance for Better” por la asociación de artistas femeninas de Nigeria en la galería de arte Nike Lekki Lagos. “Small Making” por InSEA (Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte) en la Universidad de British Columbia, Canadá, julio de 2019; “Insight” de Xavier University of Louisiana en colaboración con Nike Art Gallery New Orleans, Louisiana, EE. UU., 2019 y “Affordable Art Auction” de Arthouse Contemporary, 2020.

Saidhbhín Gibson

21.12.2021 – 04.01.2022

Irlanda

Image:
Saidhbhín Gibson
Blocker

El trabajo de Saidhbhín Gibson explora el enfoque centrado en el ser humano hacia la vida más que humana y el consumo de la naturaleza por parte de los humanos. Emplea múltiples métodos en la producción y fabricación de su obra, que incluyen video, fotografía, escultura, encaje de aguja y texto.

La realización del trabajo ejemplifica la economía más que el exceso para mejorar aún más la conciencia del impacto ambiental de las acciones humanas.

Saidhbhín Gibson ha expuesto recientemente a nivel nacional e internacional en exposiciones individuales y colectivas, incluidas Hindsight is 2020, Rua Red, Dublin 2020, A Vague Anxiety, IMMA, Dublin 2019, Encounters with the Land, VISUAL Centre for Contemporary Art, Carlow, 2018 donde ella fue galardonado con el Premio Éigse Graduate, Cairde Visual, The Model, Sligo 2018, Loping Towards Darkness, VISUAL Center for Contemporary Art (solo), 2017 y ‘Make it OK’ con una gira por siete lugares del Reino Unido 2015-17.

Dirección y coordinación LAV Artist Residence:

Fran Pérez Rus

Dirección Espacio Lavadero:

Miguel Ángel Moreno Carretero